Греческие статуи женщин

Греческие статуи женщин

Как красивая грудь спасла от казни греческую гетеру, с которой ваяли статую Афродиты

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Когда точно родилась Фрина сегодня не известно. Историки предполагают, что жила она в IV веке до нашей эры. В частности, о ней упоминали в 371 году до н.э., когда Фивы уничтожили Феспию.

Её Родина — маленький беотийский городок Феспии, откуда она позже переехала в Афины, где стала гетерой.

Настоящее имя красавицы Мнесарет («Помнящая о добродетелях»), но прозвали её Фрина («жаба»). Считается, что прозвище она получила из-за смуглого цвета кожи. Впрочем, это прозвище не помешало ей слыть первой красавицей, перед которой трепетали видавшие виды скульпторы и художники.

Когда скульптору Праксителю заказали статую Афродиты для острова Кос, он настолько вдохновился своей натурщицей Фриной, что создал обнаженную скульптуру, это было по тем временам настоящим скандалом. Богинь не было принято показывать обнаженными. Возмущённые власти Коса в возмущении отказались от статуи, которая вскоре была приобретена городом Книд и вскоре стала главной его достопримечательностью.

Если верить летописцам, то Фрина, хотя и была гетерой, на людях вела себя очень скромно. Она носила обычную тунику и никогда не посещала общественные бани. Но как-то во время Элевсинского фестиваля она решила распустить волосы и сбросить свои одежды перед всеми собравшимися греками, продемонстрировав свою неотразимую красоту. Такого афиняне не могли представить в самых смелых фантазиях.

Именно этот инцидент вдохновил Апеллеса на создание картины Афродиты Анадиомены. Впрочем, не только он. Скульптор Пракситель, который также был ее любовником, изваял скульптуры Афродиты и Эроса, установленные в городе Книд. И позировала ему тоже Фрина.

Шло время, популярность Фрины росла и у неё появлялось всё больше богатых поклонников, которые тратили на неё огромные суммы. В результате она стала настолько богата, что предложила за собственные средства отстроить заново стены Фив, которые были разрушены Александром Македонским. Единственным условием было то, чтобы на стенах повесили памятную табличку с надписью «Разрушены полководцем Александром, восстановлены Фриной, гетерой. Но правители Фив отвергли ее предложение, и стены остались разрушенными.

И всё у Фрины складывалось благополучно до того самого момента, как ей предъявили обвинение в совершении тяжкого преступления.

Афиней утверждает, что ей было предъявлено обвинение в оскорблении величия Элевсинских мистерий, а также постоянном развращении самых выдающихся граждан республики, что якобы мешало им работать на благо отечества. Наказанием за подобное могла быть только смертная казнь. Гетера уговорила оратора Гиперида выступить в ее защиту, пообещав ему свою благосклонность.

Многие историки спорили о том, что произошло во время судебного заседания, а Афиней подтвердил в книге «Пир мудрецов», что Гиперид разорвал на Фрине одежды, чтобы показать ее грудь судьям в качестве доказательства ее божественной красоты.

Гиперид утверждал, что совершенство груди Фрины могло было только свидетельством воли Богов. Поэтому смертный приговор или тюремное заключение такой «живой богини» можно считать только неуважением и богохульством перед богами. Судьи единогласно оправдали Фрину, согласившись, что такой божественной груди у смертной женщины быть не может.

Фрина вышла из Ареопага свободной женщиной. Ее история вдохновила на создание многих художественных работ, в том числе картины «Фрина» 1904 года Хосе Фраппы, скульптуры «Фрина» Александра Фальгьера и знаменитой картины «Фрина перед Ареопагом» Жан-Леона Жерома в 1861 году. Сегодня историю Фрины зачастую приводят в качестве символа угнетаемой свободы.

Выставка скульптур Даши Намдакова

Фото из личного архива Даши Намдакова

Его работы выставлялись в Третьяковской галерее и Историческом музее, в Эрмитаже и Русском музее, галереях Лондона, Флоренции и Нью-Йорка. Его скульптуры находятся в коллекциях известных деятелей политики и культуры. Он получил премии «Ника» и «Белый слон» как художник-постановщик фильма «Монгол» Сергея Бодрова-старшего. Всемирно известный скульптор Даши Намдаков представит на IV Фестивале Русского географического общества свои новые работы.

Даши Намдаков родился в бурятском селе Укурик в Забайкалье, шестым ребёнком в многодетной семье, принадлежащей к древнему роду кузнецов-дарханов. Семейная легенда гласит: в возрасте пятнадцати лет мальчик заболел и долго не выздоравливал. Ситуация изменилась, когда за дело взялись шаманы. Они же и объяснили юному Даши, что это духи указывают ему путь: он должен стать шаманом. Но Даши хотел быть художником и сумел настоять на своём. C ним согласились, признав, что творчество тоже может рассматриваться как «шаманская практика».

002.jpg

Фото из личного архива Даши Намдакова

«Энергия шаманизма – это энергия человека, которую он наследует или развивает, – поясняет сам скульптор. – Мой род, наверное, больше род творческих людей. И наше стремление найти красоту в предметах и передать её другим – благородная миссия, которую мы несём».

Даши окончил Красноярский художественный институт, где учился у академика Льва Николаевича Головницкого в мастерской скульптуры. До 2004 года он жил в Улан-Удэ, потом – в Москве. В 2010 году началось сотрудничество скульптора с лондонской галереей «Хельсион», и в 2014 году он переехал в столицу Великобритании. Работа требует от него постоянных перемещений: отливает свои скульптуры Даши в Италии, где находятся две лучшие литейные мастерские Европы, а за вдохновением регулярно возвращается в родной Укурик. Он постоянно находится в движении.

dsc_7070.jpg

Фото из личного архива Даши Намдакова

«Создав работу, я иду дальше и стараюсь не привязываться к прежним своим идеалам, надо развиваться, – говорит Даши. – Время такое. Моя жизнь сейчас проходит и в Лондоне, и в Италии, и в России – это ритм и множество новой информации, которая держит в тонусе. Пока есть силы, надо успевать».

Две из скульптур Даши Намдакова, которые он везёт на Фестиваль РГО, будут показаны в открытом пространстве. И «Медитация», и «Мадонна с птичкой» были созданы в 2011 году. Одна из версий скульптуры «Медитация» находится на экспозиции в садах Этрета в Нормандии. «Мадонну с птичкой» критики сравнивают с первобытными палеолитическими Венерами.

Мадонна с птичкой

madonna.jpg

Мадонна с птичкой. Фото с сайта dashi-art.com

«Мадонна с птичкой» появилась после моей выставки в Эрмитаже, – рассказывает Даши Намдаков. – Композиция скульптуры со сложенными под грудью руками перекликается с композицией древнего сибирского каменного Балбала (каменной бабы в тюркской культуре – прим. ред.), она стояла на первом этаже Эрмитажа недалеко от залов с моей выставкой. Ходил мимо каждый день, и что-то передалось».

Идол евразийских степей, вдохновивший скульптора на создание «Мадонны», был выточен из цельного камня и тоже держал у груди ритуальный предмет, играющий большую роль в символике кочевников.

«Мотив вечный и глобальный, – объясняет Даши. – Это символ плодородия и вечной жизни, символ материнства и любви. Птичка может быть и душой, и ребёнком, это понятный всем образ».

Черты лица у Мадонны этнические, название ассоциируется с европейской культурой, а сама тема близка людям по всему миру, как и тихая задумчивость женщины, полностью сосредоточенной на своих ощущениях. Спецпроект, объединяющий все представленные на Фестивале работы, называется «Утерянные цивилизации», но мы находим потерю в нормах и ценностях цивилизации современной.

001.jpg

Фото из личного архива Даши Намдакова

Наряду с другими скульптурами спецпроект включает коллекцию работ «Изнутри», которую мастер считает новым витком в своём творчестве. Чтобы усилить эмоциональное воздействие на зрителя, для коллекции создают особое пространство. Скульптуры будут собраны в одном зале, оформление которого с первого шага погрузит посетителей в атмосферу потаённых находок и древних загадок. Из темноты каждую работу будут выхватывать прицельно направленные лучи света, вызывая у зрителей ассоциации со старым заброшенным храмом. Драматический эффект освещения дополнит специально подобранное звуковое сопровождение.

«Выставки всегда рассчитаны на зрителя, и нам показалось, что для показа этой коллекции нужен особый дизайн или театрализованное пространство, – делится Даши. – Надо создать условия для восприятия внутренних процессов, которые происходят в образах-скульптурах. Это и магия, и попытка максимально достоверно передать замысел. Поэтому мы привлекаем и цвет, и свет, и музыкальные ассоциации».

Но самое главное впечатление посетители, конечно, получат от самих работ.

«Эта коллекция появилась после поездки Даши на родину в деревню Укурик, – рассказывает куратор выставки, искусствовед Татьяна Бортник. – По возвращении в Англию буквально за месяц он вылепил из глины двадцать работ, готовых к отливке в бронзе. Коллекция родилась в едином порыве, каждый образ тянул за собой следующий. Все составляющие тесно связаны друг с другом».

Энергия

energiya.jpg

Энергия. Фото с сайта dashi-art.com

«Начало и конец творческого процесса – это относительные величины, всё идёт как-то параллельно и складывается из множества эскизов всех моих лет, с подросткового возраста до нынешнего момента. Даты ничего не значат. Но если уж говорить о первой из созданных скульптур коллекции, пусть будет «Энергия».

Работа над бронзовыми скульптурами – трудоёмкий процесс и требует много сил. Сначала мастер переносит появившийся у него в воображении образ на бумагу, делая огромное количество эскизов. Из них он выбирает считаные единицы, на основе которых начинает работать с глиной. В процессе лепки Даши тщательно прорабатывает все детали будущей скульптуры, порой немного меняя стилистику первоначального образа, чтобы добиться идеального результата. Только после этого можно приступать к формовке и литью – этот процесс проходит уже в Пьетрасанте.

Работы для коллекции «Изнутри» скульптор формовал и отливал примерно год. Затем настало время покрыть их патиной – это тоже происходило в мастерской в Пьетрасанте под личным присмотром художника. «В этой коллекции Даши много экспериментировал, достигнув небывалой цветности работ», – отмечает Татьяна Бортник.

dsc_6037.jpg

Фото из личного архива Даши Намдакова

«Энергия» – один из центральных образов коллекции. Внешние поверхности запатинированы чёрным, изнутри прорывается ярко-красный и золотой.

«Эта скульптура связана с моим мироощущением, – рассказывает Даши. – Это своего рода мой «автопортрет». В образе античного торса мы можем увидеть атлета, несгибаемого и непадшего, но устоявшего и поднимающегося. Внутренняя энергия позволяет ему сделать этот рывок. Цвета скульптуры – как нутро вулкана, ещё недавно спавшего, но уже грозно пробуждающегося».

Настолько яркая колористика – новый приём для Даши, поиск патины оказался очень интересным процессом. Чтобы получить сложные оттенки на финальных скульптурах, он шёл путём проб и ошибок.

Укрощение Минотавра

ukroshenie-minotavra.jpg

Укрощение Минотавра. Фото с сайта dashi-art.com

«Цвет в скульптуре использовался с древности, достаточно вспомнить, что античные греческие статуи было принято раскрашивать, просто они дошли до нас в римских повторах и без цвета, – объясняет художник. – Или возьмём скульптуры Египта и Переднего Востока – это симфония пластики и колористических эффектов, которые имеют огромное символическое значение. Поэтому и мне хочется обновления выразительной палитры, чтобы передать свои импульсы».

Именно патинирование позволяет играть с оттенками. Кроме того, слой патины защищает скульптуру от повреждений и даёт ей благородный налёт «старины».

«В современных технологиях много разных методов защиты поверхностей бронзы и одновременно придания цветности, – делится тонкостями Даши. – Мастерские Пьетрасанты используют цветные патины. С 2010 года я постоянно экспериментирую вместе с мастерами – литейщиками и инженерами, варьируя химические составы патин. Такое сотрудничество даёт мне большую свободу для творчества».

Одна из скульптур, где потребовалась серьёзная работа с цветом, – «Укрощение Минотавра», очень выразительная и сложная как по форме, так и по фактуре. К древнегреческому образу человека-быка скульптор обращается не в первый раз. В 2007 году он создал работу, которая оставляет ощущение незавершённости: её контуры только намечены, поверхность неровная. В 2010 году появилась ещё одна скульптура на ту же тему, в ней линии Минотавра отличаются плавностью и филигранностью проработки. Посреди лба на гладкой бычьей голове с раскидистыми рогами выступает третий глаз.

dsc_6203.jpg

Фото из личного архива Даши Намдакова

«Минотавр – это сложный хтонический персонаж, и мне он нравится своей энергией: не положительной или отрицательной, а космической, которая выше нашего понимания, – размышляет Даши. – Но её можно ощутить. В мифе это божество сторожит вход в Нижний мир. Он хранитель особых знаний. Он грозен, но у него такая судьба. Поэтому я искал параллели на Востоке в Центральной Азии, в буддизме, где все существа связаны цепью перерождений. И глаз во лбу – это прозрение. Маски грозных божеств с рогами и страшными гневными выражениями надевали монахи, участвующие в буддийской мистерии Цам. Мне это интересно для познания, для размышления о жизни и её явлениях. Мифы хранят много увлекательного, пробую проникнуть туда и в новых своих коллекциях».

Скульптуры в парке

В начале 20-го века, когда Пол Купельвизер был владельцем острова, в непосредственной близости от порта были установлены скульптуры «Рад» и «Каритас» Каспара Клеменса Цумбуша (1830 -1915).

Перед уходом с Витковицкого металлургического завода, Полу Купельвизеру подарили настольное украшение с изображением двух аллегорических фигур: Рад (кузнец) и Каритас (мать с детьми). Эти персонажи изображали самого Купельвайзера. Так его восприняли владельцы металлургического завода: как человека, украшенного тяжелой, усердной работой и уважением, верностью и любовью. По их образу были созданы мраморные скульптуры, и сегодня они напоминают о том, что благодаря усердной работе и великой любви можно добиться исключительных произведений искусства и даже малярийное болото можно превратить в оазис природной красоты и спокойствия.

Скульптура начала 20-го века изображает сцену из греческой мифологии — Леду с лебедем. Зевс смог соблазнить спартанскую королеву Леду лишь превратив ее в лебедя. Скульптура предназначалась для украшения бывшего зимнего бассейна, построенного в 1913 году, рядом с гостиничным комплексом в главном порту Бриуны. В то время это был первый зимний плавательный бассейн с подогреваемой морской водой на Адриатике с рядом сопутствующих терапевтических, медицинских и косметических услуг.

Скульптура находится в парке за отелем Нептун.

Купальщица

В главном порту Бриуны посетителей встречает специально размещенная на скале бронзовая скульптура «Купальщица» словенского скульптора Бориса Калина 1954 года.

Эта скульптура мягко смоделированного полулежащего акта женщины, загорающей на подстилке, встречает и провожает всех посетителей Бриуны.

Женщина с бурдюком

Бронзовая скульптура «Женщина с бурдюком» («Приморка», «Водоноша») — работа скульптора Франа Кршинича с 1956 года. Она изображает женщину, которая наклонилась, чтобы вылить воду из бурдюка в каменный желоб у ее ног.

Скульптура является неотъемлемой частью памятника выдающемуся техническому достижению — выкачиванию родниковой воды на острове. А именно, в период с 1951 по 1953 год на острове были проведены геообследования родниковой воды, которая, помимо прочего, была также обнаружена на лугу с символическим названием «Живая вода».

Возможность откачки грунтовых вод на острове была разработана по задумке архитектора Александра Фройденрайха как «новая победа в борьбе с природой». Художественно, архитектурно и технически камень, бронза и стекло изображают дефицит воды в прошлом (символизируемый скульптурой Кришнича), от современных в то время сложных условиях жизни на островах (представленных резервуаром для сбора дождевой воды), до процветания в будущем (стеклянная пирамида над скважиной с родниковой водой). Это замечательное техническое достижение использования подземных вод на острове с глубины 251 метра также обозначено на мемориальном камне, который в дополнение к скульптуре, цистерне и стеклянной пирамиде (мемориальному колодцу) является неотъемлемой частью этой особенности.

И скульптура, и стеклянная пирамида имеют функцию фонтана. В стеклянной пирамиде должен был быть создан необычайный световой эффект: внутри каменного цоколя закрытого стеклянного фонтана пирамидальной формы были установлены отражатели для освещения разбросанных капель воды, что приводит к появлению радуги.

Голубь мира

«В знак особого уважения президенту Тито и в память о его личности» скульптор Душан Джамоня подарил Национальному парку скульптуру «Голубь мира» с1983 года. Скульптура из кортенов (сварных железных цепей) была создана «с намерением символизировать идею мира и свободы».

Памятник Сони

На холме недалеко от порта установлен «Памятник Сони», авторами которого являются итальянские художница Фабиола Фаидига и скульпторша Мэди Котимбо. Он был подарен Национальному парку в 2012 году в память о слоне Сони, подаренном Титу премьер-министром Индии Индирой Ганди.

Двухлетний Сони прибыл на Бриуны в 1970 году. Он жил в парке вместе со своей спутницей Ланкой до конца своей жизни в 2010 году.

Скульптура, созданная в 2008 году, является частью более крупного проекта CIRCUS MEME Фабиолы Файдиги, который включает несколько уровней представления. В дополнение к памятнику Сони, проект включает в себя эквибилистическое представление, фотовыставку и видеопроекции.

Изготовленная вручную в натуральную величину скульптура из полистирола — это работа скульптора Мэди Котимбо. Она украшена авто-картами городов, которые роковым образом связаны с путешествиями Сони, как реальными, так и воображаемыми: Нью-Дели (столица страны, в которой родился Сони), Белград (столица страны, которая приняла Сони), Бриуны (остров, на котором Сони прожил почти всю свою жизнь), Загреб (столица страны, в которой жил Сони),Триест (город, в котором был задуман проект CIRCUS MEME), Берлин (город, который Сони посетил в метафорической форме).

Статуя девушки, женщины древние греческие скульптуры для сада и дачи: фото

В оформлении садово-парковых комплексов и приусадебных участков традиционно используют скульптурные композиции, которые при грамотном расположении внесут ноту аристократичности и изысканности. Современные изваяния изготавливают из различных материалов, таких, как металл, гипс, дерево, растения и пр. Однако, бесспорный факт, что классическая статуя из мрамора или гранита отличается наиболее органичной формой и эстетическими характеристиками.

Статуя ангела в саду

Статуя из гранита, созданная умелым мастером, станет не только произведением искусства, но и сохранит эстетически привлекательный вид на протяжении десятков и даже сотен лет. Лучшим доказательством являются древнегреческие, египетские и римские скульптуры, которые сохранились в превосходном состоянии до наших дней. Экспонаты в большом количестве представлены в музеях мира, а фото в каталогах.

Долгое время статуя из гранита была предметом роскоши и была доступна только обеспеченным людям. Однако, благодаря современным технологиям, шедевры из гранита стали доступными всем ценителям искусства. Мастера предлагают миниатюрные объемные изваяния, которые копируют мировые шедевры, например, статуя девушки с веслом или скульптура сидящей женщины. Можно приобрести и большие, величественные статуи из гранита для украшения интерьеров, приусадебных участков, парковых зон, которые достойны дворцов и имений аристократов. Ниже показана красивая статуя девушки с кувшином.

Древнегреческая статуя с кувшином

В зависимости от рельефных особенностей скульптуры делятся на два вида:

  1. Круглое изваяние, характеризуется свободным размещением в пространстве и дает возможность демонстрации скульптуры с различных сторон. К данному виду относят — статуэтки, торсы и бюсты.
  2. Рельефное изваяние, которое расположено на поверхности. Такие скульптурные композиции делятся на барельефы, при которых изваяние выступает менее чем наполовину объема над поверхностью, и горельефы в которых изваяние выступает более чем на половину объема над плоскостью. Различия рельефной обработки гранита демонстрируют фотокаталоги скульптур.

Виды скульптур

В зависимости от назначения скульптурные ансамбли бывают:

  • монументальные, когда изваяния имеют большие размеры и посвящены историческим событиями или известным личностям. Самым популярным и показательным представителем монументального искусства является египетский Мемфисский сфинкс в Гизе;
  • монументально-декоративные статуи с кувшином или без предназначены для декорирования фасадов зданий и интерьеров помещений. Можно и с веслом – смотрится оригинально. Как правило, данный вид скульптурного ансамбля объединен единым стилистическим решением с композицией дворца, фонтана, триумфальной арки, моста или парка. Например, скульптурная группа «Морские нимфы, несущие морскую сферу» в Михайловском замке;

  • станковые изваяния предназначены для украшения внутренних помещений музеев, административных помещений, театров, жилых домов и пр. Например, бюст Михаила Ломоносова в музее Ломоносова в Санкт-Петербурге.
  • малые формы изваяний имеют эстетическое предназначение и призваны украшать жилые и офисные помещения. Например, популярные фарфоровые и фаянсовые статуэтки.
  • садовые фигуры, созданные для украшения лесо-парковых зон и приусадебных участков. Современные садовые статуи создаются мастерами под влиянием различных культур – древнегреческой, мавританской, итальянской и современного искусства.

Для создания целостной и органичной формы приусадебного участка необходимо выдерживать единую стилистку дома, хозяйственных построек, зеленых насаждений, искусственных водоемов и садовых скульптур.

Наиболее популярно оформление приусадебного участка в классическом или регулярном виде. Основные принципы стиля:

  • строгая геометрия и симметрия;
  • идеально подстриженные газоны с клумбами правильной формы;
  • живые изгороди геометрической формы;
  • фонтаны и искусственные водоемы правильной формы;
  • топиарии;
  • натуральный или искусственный камень;
  • классические садовые скульптуры.

Древнегреческая гранитная статуя женщины

Для создания регулярного стиля на приусадебном участке следует запастись фото популярных примеров классического оформления садово-парковых территорий. Для регулярного стиля традиционно используют древние скульптуры или греческие изваяния. Классика жанра, статуя девушки с веслом или скульптуры обнаженных женщин и мужчин. Древнегреческая культура оставила большое наследие шедевров зодчества. Современные мастера создают копии, которые предают уникальность и неповторимость древних изваяний.

Древнегреческая статуя в тени деревьев создает атмосферу роскоши и исключительности на приусадебном участке. Древнегреческие мастера воспевали в камне культ совершенного тела — статуя девушки, лежащая женщина с кувшином, скульптура беременной женщины, скульптура с вазоном и пр. К сожалению, большинство древних изваяний дошли до наших дней в поврежденном виде, некоторые статуи без рук или головы. Однако, это не лишает их шарма и обаяния, а придает им загадочность и неповторимость.

Современные статуи из гранита размещают в тени старых деревьев, возле водоемов и каменных композиций. Главное правило – не нагромождать скульптурными ансамблями приусадебный участок и не пересекать тонкую грань между эстетическим вкусом и китчем. В ансамбле приусадебного участка наряду с малыми архитектурными формами большой декоративностью отличаются отдельно стоящие гранитные статуи и бюсты. В современном ландшафтном дизайне скульптурные ансамбли принято размещать среди цветников и посадок, статуя девушки, наполовину прикрытая зеленью в укромном тенистом уголке сада, выглядит очень романтично и трогательно. Статуи из гранита в натуральный человеческий рост будут великолепно смотреться на больших участках, а для небольших приусадебных участков лучше выбрать миниатюры и бюсты.

Ансамбль приусадебного участка

Многие владельцы приусадебных участков предпочитают украшать территорию фигурами обнаженных женщин с веслом и голова или рук мужчина, изваяниями ангелочков, этот прием был излюбленным в декоративном оформлении ландшафтов эпохи Возрождения. Особенности художественного оформления приусадебных участков в стиле Возрождения демонстрируют фотокаталоги знаменитых лесо-парковых экспонатов. Изваяние лежащая купальщица из гранита органично и естественно смотрится в небольшом водном пространстве.

Симметрично расположенные скульптуры из гранита вдоль садовых дорожек, лестниц, мостов сделают их особенно выразительными и живописными. В притененных местах великолепно смотрятся скульптурные ансамбли из светлого гранита, которые как бы подсвечиваются изнутри, подчеркивая сочность зеленого обрамления. Великолепно и изысканно скульптурные ансамбли из гранита смотрятся в окружении насаждений из роз. Статуи и розы столь органично выглядят, что кажется созданы друг для друга. Установленный скульптурный ансамбль посреди зеленой клумбы станет ключевым элементом ландшафтного дизайна и центральной фигурой стилистического решения.

Читайте также  Национальный парк тосканский архипелаг

Садовые скульптуры из гранита могут выступать как элемент садовых скамеек, беседок, фонтанов, искусственных водоемов. Гранитные статуи можно использовать как цветники, поилки и кормушки для птиц и зверей. Из всего вышесказанного можно сделать вывод, что видов скульптур, которые являются декорацией приусадебного участка, на сегодняшний день известно огромное количество. Таким образом, необходимо тщательно подбирать статуи исходя из стилистического решения приусадебного участка на даче.

ИскусствоОни не были белыми: Как античные скульптуры лишились цвета

Они не были белыми: Как античные скульптуры лишились цвета — Искусство на Wonderzine

Древние греки и римляне были окружены красочными статуями. Об этом напомнил главный научный сотрудник Метрополитен-музея в Нью-Йорке Марко Леона в недавнем сюжете канала CBS: белоснежные мраморные скульптуры в греческих и римских галереях музея на самом деле были расписаны. То, что современные люди ассоциируют античные скульптуры с белизной, — это, по словам Леоны, «во многом случайность времени и природы, во многом это ошибка интерпретации». Мы решили посмотреть, как вышло, что люди забыли о красках, как это повлияло на культуру, наше восприятие красоты и не только.

анна третьякова

В сюжете CBS Марко Леона показывает мраморное навершие в виде сфинкса, на котором даже невооружённым глазом видны следы красок и узоров. Затем Леона демонстрирует вазу из коллекции, на которой изображён художник, расписывающий скульптуру: «Это наша фотография того времени». Выходит, долгое время было известно, что античные скульптуры были расписаны. «Это что-то вроде самого тщательно хранимого секрета, который даже не является секретом», — заметил Леона в 2018 году в разговоре с журналисткой Маргарет Талбот, показывая ей ту же вазу из коллекции.

Талбот написала большой материал для The New Yorker под названием «Миф белизны в классической скульптуре». В нём она среди прочего описала исследования Марка Аббе, специалиста по цвету в классической скульптуре, — тот заинтересовался темой в 2000 году, увидев остатки пигмента на скульптурах во время раскопок в древнегреческом городе Афродисиас, на территории современной Турции. Ещё раньше, в восьмидесятых годах, на цвет обратил внимание археолог Винценц Бринкманн: он собирался исследовать следы орудий на древних скульптурах и разработал для этого специальную лампу, но благодаря ей увидел подтверждение полихромии. В 90-х вместе со своей женой, археологом Ульрике Кох-Бринкманн, он начал воссоздавать роспись на гипсовых скульптурах-копиях, а в 2003 году стартовали гастроли их выставки «Gods in Color». В 2020 году её «золотое издание» представили во франкфуртском музее Либигхаус, сейчас её также можно посмотреть как диджитал-проект.

Как скульптуры лишились цвета?

Представление об античных скульптурах как идеально белых укрепили в сознании людей в том числе и работы художников эпохи Возрождения, вдохновлявшихся древними произведениями. В их распоряжении не было специальных ламп и микроскопов, а найденные артефакты тщательно очищались от грязи перед представлением публике — так, вероятно, с них стирали и остатки пигмента. Скульптуры Микеланджело никогда не были расписаны, потому что художник, скорее всего, не знал и не видел, что античные статуи когда-то были цветными, считает Марко Леона. Более того, для скульпторов эпохи Ренессанса главной стала форма, а её как раз подчёркивал мрамор. В недавнем интервью австралийскому ABC News Винценц Бринкманн заявил, что именно «Леонардо да Винчи [и] Микеланджело начали продвигать визуальный код белого мрамора, что было полной ложью». Он предположил, что художники стремились продвигать новый код, который бы чётко отделялся от старого христианского, красочного. Кроме того, да Винчи считал, что живопись и скульптуру стоить разделять.

Особенно на художников Ренессанса повлияли найденные в то время скульптурная группа «Лаокоон и его сыновья», а также Бельведерский торс. «Считалось, что они относятся к классической древности, поэтому их рассматривали как образцовые модели — и они воспринимались как монохромно-белые просто потому, что их полихромия со временем в значительной степени исчезла. Таким образом, это было недоразумение со стороны небольшого, высокообразованного и влиятельного меньшинства, которое впоследствии было систематизировано в академиях искусств и передано дальше», — объяснял изданию Hyperallergic в 2014 году Ян Штуббе Эстергорд, эксперт по греческому и римскому искусству. В то время он представил вторую выставку, посвящённую полихромии, в копенгагенской глиптотеке Ню Карлсберг.

Что же всё это значит для культуры?

Восприятие художниками Ренессанса античных скульптур как белых Эстергорд называл «недоразумением», а вот то, как исследователи искусства в XX веке отнеслись к открытиям XIX века, касающимся полихромии, он уже посчитал «подавлением». Так, одним из наиболее важных открытий в этой области была так называемая «Голова Троя» (Treu Head), мраморная голова середины второго века нашей эры, которую обнаружили в 1884 году на Эсквилинском холме в Риме и которая была передана Британскому музею. На её лице и волосах хорошо сохранились следы пигментов, о её полихромии писал исследователь Георг Трой в 1889 году.

В своей статье для The New Yorker Маргарет Талбот цитирует записи критика и архитектора Рассела Стёрджиса о поездке в Акрополь в 1883 году, где он рассказывал, как краска слезала со статуй во время чистки. Талбот приводит и многие другие примеры, доказывающие, что идея цвета в античной скульптуре отвергалась несмотря на подтверждения. Например, ещё в 1892 году на эту тему в эссе для каталога высказался учёный Альфред Эмерсон. По его словам, доказательства полихромии в античных скульптурах неоспоримы, однако почтение к античному, почерпнутое у итальянских мастеров эпохи Возрождения, было столь сильным, что случайное разрушение древней окраски было «возведено в особую заслугу и смешным образом ассоциировалось с идеальными качествами высшего искусства». В XX веке на восприятие цвета повлияла политическая обстановка во некоторых странах, по мнению Бринкманна. Разноцветные произведения прошлого не вписывались в эстетику диктаторских режимов — художники в то время создавали «идеальные» белые мраморные тела.

У многих исследователей и посетителей выставок «Gods in Color» яркие скульптуры вызвали удивление, им было непривычно видеть цвет — даже Маргарет Талбот сравнила одежду троянского лучника с легинсами Missoni. Предполагаемый минимализм и чистота античных скульптур сильно повлияли на развитие искусства на Западе, определили эстетические нормы. В XVII веке историк искусства Иоганн Иоахим Винкельман описывал их «благородную простоту и тихое величие». Именно поэтому вид воссозданных Бринкманнами скульптур многим показался не просто непривычным, но и «безвкусным».

Однако у этого есть и более значимые последствия: белизна начала ассоциироваться с возвышенной красотой, а цвет — считаться чем-то «кричащим». По мнению Марка Аббе, современное отрицание полихромии в античной скульптуре связано с выгодой от предположений о культурном, этническом и расовом превосходстве, а также выгодой от восприятия «Запада» как более рационального. Белые античные скульптуры выделяли европейскую культуру на фоне остальных. Расписанные статуи других стран и культур не вызывают такого удивления и отторжения, однако в «западном» искусстве зрителям сложнее воспринимать похожие приёмы.

Профессорка истории Сара Бонд уверена, что это опасная конструкция, которая продолжает влиять на идеи превосходства белых (white supremacy) сегодня. По её мнению, дискуссия вокруг цвета в скульптуре должна стать обсуждением репрезентации древнего мира, в частности, древнего Средиземноморья, жители которого явно не считали себя «белыми» и в принципе не представляли себе этничность так же, как современные люди. Наглядно такой случайный «вайтвошинг» в скульптуре демонстрирует Марк Аббе ведущей CBS: он показывает на первый взгляд белоснежные бюсты римского императора Септимия и его жены Юлии, с помощью микроскопа демонстрирует остатки пигмента в мраморе, а затем показывает сохранившийся портрет императорской семьи, который изображает внешность Септимия и Юлии, он был родом из Лептис-Магна, находящегося на территории современной Ливии, а Юлия Домна была сирийского происхождения.

Исследователи не призывают раскрашивать все скульптуры. К тому же многие сходятся во мнении, что даже воссозданные Винценцем Бринкманном и Ульрике Кох-Бринкманн произведения не отражают реальности (гипс впитывает краску и не передаёт эффекта, который был бы на мраморе, а все узоры, даже основанные на исследованиях, остаются примерными). Но скульптуры, выставленные рядом с оригиналами, несомненно, производят наибольший эффект на зрителя. А скептикам, которые сомневаются в целесообразности окрашивания скульптур, исследователи напоминают, что с самого начала они были бы совместной работой скульптора и художника — второй явно учитывал бы материал и формы скульптуры.

Учёные предлагают сообщать о цвете хотя бы в описаниях работ (так в 2018 году сделали в музее Met Breuer), создавать цифровые модели росписи скульптур (такие проще всего исправить с появлением новых данных) или создавать световые инсталляции, придающие скульптурам оригинальный вид. Новая репрезентация античного искусства может быть, правда, очень непривычной, однако она помещает зрителя в контекст того времени, когда скульптуры были созданы, — даже Елена Троянская в трагедии Еврипида сравнивает свою красоту с краской на статуе.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector