Караваджо снятие с креста

Караваджо снятие с креста

Снятие с Креста — 1612-1614 Рубенс

Рубенс «Снятие с креста»

Начиная с 1610 года Рубенс пишет картины преимущественно на религиозные темы, что было весьма актуально в эпоху Контрреформации, сторонники которой прославляли художника как «певца истинных католических ценностей». К этому периоду творчества мастера относятся известные триптихи «Воздвижение Креста» и «Снятие с Креста», исполненные им для кафедрального собора Антверпена.

Триптих «Воздвижение Креста» был создан вскоре после возвращения Рубенса из Италии. Поэтому неудивительно, что в картине явно прослеживаются черты итальянского искусства и, в особенности, живописной манеры Караваджо, с творчеством которого художник познакомился в Риме. Кроме того, здесь можно заметить следы влияния стиля Якопо Тинторетто, с его подчеркнутой театральностью, а также Микеланджело — если обратить внимание на монументальность фигур и тщательную проработку каждой группы мышц.

Триптих «Снятие с Креста» знаменует собой начало освобождения Рубенса от «итальянской зависимости». Исследователи отмечают «эволюцию череды более светлых красок, что является типичным явлением для нидерландской живописи: на самом мертвом теле, на складках савана, на женских фигурах мерцающие бело-серые блики, светло-янтарный и зелено-голубой цвета контрастируют с более традиционным красным и коричневым на мужских фигурах».

И хотя влияние Караваджо еще проявляется в резких светотеневых контрастах, а также в исключительном реализме представления сцены, сама композиция, по сравнению с работой «Воздвижение Креста», уже не настолько «драматизирована», в ней нет «ни аффектированных жестов, ни криков, ни испуга, ни даже слез» (Фромантен).

Зрителя поражала прежде всего фигура мертвого Христа. «Это одна из самых прекрасных его фигур, — писал знаменитый английский живописец Джошуа Рейнольдс (1723-1792) сто лет спустя после создания этого триптиха. — Голова, упавшая на плечо, смещение всего тела дают нам такое верное представление о тяжести смерти, что никакое другое не в силах превзойти его».

И хотя здесь действительно изображена вся «тяжесть смерти», но в самой картине никакой тяжести не чувствуется. Рубенс виртуозно передает то мгновение, когда, с трудом удерживая равновесие на шаткой лестнице и ухватившись левой рукой за конец савана, один из учеников Христа, Никодим, протягивает вторую руку к мертвому телу, буквально сползающему в раскрытые объятия святого Иоанна, а стоящая на коленях Мария Магдалина пытается поддержать ступни мертвого Иисуса.

Пока еще никто из персонажей не принял на себя Его тела полностью — это тот самый критический момент, схваченная художником доля секунды перед тем, как оно окажется на протянутых к нему руках. «Снятие с Креста» считается самым великим творением мастера из всех, созданных в тот период, и одним из наиболее значительных во всем его творческом наследии.

Воздвижение Креста Господня (картина Рубенса)

Peter Paul Rubens 068.jpg

«Воздвижение Креста Господня» или «Водружение Креста» [1] — триптих фламандского живописца Питера Пауля Рубенса, написанный в 1609—1610 годах (по некоторым данным также сообщается, что он был окончен в начале 1611 года). Размеры: центральная панель 460 х 340 см, и две боковые по 460 × 150 см.

Картина была написана Рубенсом после его возвращения во Фландрию из Италии. В работе присутствуют явные черты итальянского ренессанса и барокко, и в частности таких художников, как Караваджо, Тинторетто, Микеланджело. Центральная панель иллюстрирует чрезвычайное напряжение между множеством низкорослых атлетичных мужчин, пытающихся изо всех сил поднять крест с, казалось бы, невыносимой тяжестью тела Христова.

Обычно художники изображали распятие уже свершившимся. Рубенс сделал зрителя свидетелем казни. Палачи с яростным усилием поднимают крест. Лица их почти не видны, а напряжённые мышцы тел, стальные латы, тускло-красные одежды сливаются воедино. И кажется, будто не они, а живая волна подхватила Христа и несёт Его навстречу молящимся. Даже пригвождённый к кресту, Христос Рубенса не безответный страдалец, а господин Своей судьбы.

На полотне изображено в общей сложности 22 человека. Из общего числа выделяются Мария и Иосиф, расположенные на левой панели, некоторые солдаты, и двое детей. Каждая панель триптиха имеет свою собственную доминирующую группу. На левой панели это скорбящие женщины вместе с Марией и Иосифом. Средняя панель, разумеется, посвящена целиком и полностью Иисусу. Одновременно в средней и правой панели изображена подготовка казни двух преступников, их также сопровождает группа из нескольких солдат.

Наглядный пример ракурса Микеланджело, который проявляется в искажении пропорций людей и их мощного телосложения. Изображение Христа пересекает всю центральную панель по диагонали, что стилистически сродни картине «Погребение Христа» (Караваджо). На обеих картинах демонстрируется движение подъема и спуска (у Караваджо), которое изображается в ключевой момент действия. Горизонтали и вертикали картины статичны, зато диагонали полны динамики. Движение, пространство и время проиллюстрированы в сопоставлении с вертикальным подъемом Христа. Рубенс смело использует динамику цвета и светотени, — стиль, который со временем приобретет более тонкие черты.

Как и многие другие шедевры Рубенса, сюжет Воздвижения Креста Господня полон действия. Однако движение надо искать не в тщательно проработанных позах или в капризных складках одежды, а в неповторимой игре красок, света и тени, за что Рубенса и считают гением своего времени.

Работа также датируется периодом, известным как Антверпенский период творчества Рубенса (1608—1618). Контракт на живопись был заключен в 1609 году, купцом и меценатом Корнелисом ван дер Геестом, который уплатил Рубенсу по окончании сумму в 2600 гульденов. Первоначально картина была предназначена церкви Св.Вальбургии (Антверпен). Во время правления Наполеона, она была увезена императором в Париж вместе с другим триптихом Рубенса «Снятие с креста». Обе картины были возвращены в собор в конце 1800-х. [1] С 1815 года и по сей день работа находится в Антверпенском Кафедральном Соборе (Антверпен, Бельгия) наряду с другими известными произведениями Рубенса. Установлена на одной из алтарных стен.

Караваджо снятие с креста

Снятие со Креста: восточное и западное понимание

На протяжении всей истории христианское искусство развивается по двум художественным направлениям: восточному православному и западному католическому. Принципиальные различия Востока и Запада заключаются в традициях, которым они следуют.

Восточное приняло древнее христианское наследие и преумножило его, осваивая путь глубокой одухотворенности и символизма. Западный путь, основанный на изжившей себя культуре языческого имперского Рима, испытал влияние светских идей и развивался через призму чувственно-эстетического восприятия мира. Однако на протяжении многих лет эти направления взаимодействовали между собой.

Идеи и образы Западной Европы проникали в русскую культуру, преимущественно с XVIII века. Церковное искусство, воспитывая религиозно и эстетически, всегда было важнейшей основой для становления и развития национальных культурных идей народа.

Осмысление Востока

Снятие Иисуса Христа с креста описывается у всех четырех евангелистов, которые связывают это событие с именем Иосифа Аримафейского. Иосиф был богатым и знатным членом Синедриона. Евангелист Иоанн (19, 38) говорит, что он втайне был ученик Иисуса Христа, но что страх не позволял ему открыто выразить своих чувств. Когда великая жертва была принесена на Голгофе, он не устрашился испросить у Пилата позволения на погребение тела Христа. Вместе с Никодимом, принесшим смирну и алоя, они обвили тело Иисуса пеленами с благовониями и погребли его в вырубленной в скале гробнице, принадлежавшей Иосифу. В священном писании не упоминаются остальные участники, поэтому, как правило, художники также изображают действующих лиц погребения Христа: Иоанна Богослова, Богородицы и жен-мироносиц.

Начало XIII века стало переломным для Византии: именно в это время возникает принципиально новый стиль, обретший подлинную гармонию. В атмосфере сдержанной и углубленной духовности, аскетической мысли, аскетического поиска родилась реакция на все избыточное, экстравагантное в искусстве конца XII века. Среди ярких образцов нового художественного языка в миниатюре сохранилось «Снятие с Креста» (Византия, XIII век, хранение – Афон).

Многофигурная композиция миниатюры уравновешена и лаконична. Простота архитектурных мотивов лишь намечает пространство, сосредотачивая внимание на главном событии. Символичность и условность образов создают интонацию особого эмоционального смирения, доверчивости, душевной открытости, кротости. Обобщенность формы обладает убедительностью, усиливает выразительность ясно читаемых силуэтов. Пластика образов полна глубокого сострадания и любви. Колорит строится на характерных для этого периода холодных тонах. Центральными фигурами становятся Иосиф, принимающий тело Христа. Фигура Иосифа играет важную роль в композиции: он становится опорой, преемником, преданным учеником Христа. Присутствующие становятся воплощением истинной любви.

Византийская традиция на русской почве приобретает оттенки национального звучания. В иконе XV столетия (Центральный музей древнерусской культуры и искусства имени Андрея Рублева) того же сюжета из иконостаса Успенского собора Кирилло-Белозерского монастыря прослеживаются стилистические черты, принадлежащие ростовской художественной школе.

Мастер кирилловской иконы следует одному из сложных композиционных решений этой сцены, распространенных в византийском искусстве XIV века. Композиция иконы схожа с вышерассмотренной, однако положение фигуры Христа иное, создающее динамику и особый ритм. Иосиф будто передает Иисуса Деве Марии, которая касается его щекой. Формы укрупняются, монументализируются, черты ликов приобретают подчеркнутую статичность, геометрическую вычерченность, лишние детали отсутствуют. Формы моделируются очень плотно, пластичность усиливается. Контрасты светотени становятся ведущим средством в формировании идеального объема. Все эти художественные приемы были сознательными и целенаправленными поисками возвращения молитвенного содержания иконы, возвращения в нее света Первообраза, ведь в христианском образе «паче внешнего внутреннее сияет». Все, кто изображен здесь, имеют примерно равное внутреннее наполнение, заставляющее смотрящего на икону почувствовать бесконечность погружения в сферы возвышенного размышления. Они сочетают в себе собранность, сдержанность, силу и мощь духа. Многочисленные оттенки цветов, ассисты (в иконописи – штрихи из сусального золота или серебра на складках одежд, перьях, крыльях ангелов, на скамьях, столах, престолах, куполах, символизирующие присутствие Божественного света, заменяя пробела, – прим.ред.), светлый фон несут в себе идею Божественной красоты.

Следующий этап развития иконописи отражает изменения в самом мировоззрении народа. В иконе рубежа XVI – XVII веков (Византийский музей в Афинах) греческий мастер блистательно работает над внешней технической стороной.

В композиции используется прямолинейная перспектива, которая открывает вид с Голгофы на город. Иконописец пытается совместить основы традиционной иконописи и картины, традиционную иконографию с элементами видового пейзажа и портрета, живость светотеневой моделировки ликов с разнофактурными элементами доличного письма (термин древнерусской живописи, обозначающий исполнение пейзажа, архитектуры, утвари, одежды — всего, кроме лиц и не закрытых одеждой частей тела, – прим.ред.). В прописанном архитектурном пейзаже прочитывается влияние западной школы. Количество фигур возрастает в два раза.

Архитектоника иконы делится на две многофигурные части: снятие Христа и оплакивание. Жены-мироносицы, эмоционально переживающие смерть Иисуса, у подножия креста утешают Богородицу. Сложное композиционное решение, пропорции фигур и богатство цвета говорят о высоком художественном уровне иконописца, однако все меньше уделяется внимание внутренней духовной стороне. Постепенно в красоте и возвышенности образов растворяется их глубочайшая целостность и духовная сила.

Восприятие Запада

В западной художественной культуре образы более телесны, натуралистичны, акцентированы на доминантную идею мученичества, жертвенности. Католики особенно чтут изображения распятого Христа, поскольку крест – главный символ победы Христа над смертью.

Одно из самых известных полотен на тему «Снятия с креста» – центральная часть триптиха фламандского художника Рогира ван дер Вейдена (Национальный музей Прадо).

El_Descendimiento,_by_Rogier_van_der_Weyden,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg

Художник отошел от канонов композиции. Он написал Деву Марию, упавшую в обморок, в таком же положении, как и Христа. Таким образом, создав особый ритм в своей композиции, который символизирует мистическую преданность матери. Эмоциональное воздействие картины усиливается за счет перегруженной многофигурной композиции в тесном пространстве, большим количеством деталей и разнообразием цветовых соотношений. Многочисленные символические детали присутствует в картине. Цветовые пятна красного и белого создают сплетение символов чистоты и страстей Христовых. Движение рук центральных фигур направляют взгляд зрителя на череп Адама, символизируя сущность искупления. Рогир ван дер Вейден пишет натуралистично рыдающих женщин, мертвенно-бледное лицо Богоматери, скорбно-сосредоточенные выражения лиц у учеников, усиливая эмоциональное вовлечение зрителя в происходящие события. Автор глубоко и тонко понимает и передает разные глубокие психологические состояния персонажей.

В 1603 году Микеланджело да Караваджо создает для римской церкви Кьеза Нуово новаторскую работу «Положение во гроб», в которой раскрывается эта же тема. Глубокое значение здесь приобретает композиция.

Масштаб картины, точка зрения, плита, иллюзорно прорывающая пространство, обращенный на зрителя взгляд Иоанна вовлекают смотрящего в картину, он становится участником происходящих событий. Мощный контраст между светом и тьмой является отличительной чертой религиозной живописи Караваджо. Подобный прием также сильно, как и композиция, включает зрителя в картину. Бледное тело Христа освещено светом божественной благодати, в запрокинутом лице нет покоя, но нет и смертной гримасы. В первую минуту Дева Мария кажется спокойнее других, но сколько жуткого горя в этом спокойствии. Она не прячет лицо, не отводит глаза, не может потерять сознание. Холодное синее пятно плаща, наброшенного на голову поверх белого платка, мрачней и строже самого глубокого траура. Особое впечатление создают выписанные с удивительной точностью физиологические подробности. Взбухшие жилы на теле, грязь под ногтями, морщины на лицах – все это делает историю Христа более человечной, жизненно прочувствованной. Духовный аспект сюжета, в православном понимании, отступает на второй план. Скорбная выразительность интонации картины поражает своей силой воздействия.

В продолжение темы интересно рассмотреть ярко выраженную барочную эстетику. Выдающимся примером служит центральная часть триптиха «Снятие с креста» Питера Пауля Рубенса для собора Антверпенской Богоматери. Эта картина принесла художнику славу талантливейшего религиозного мастера по всей Европе.

Rubens.jpg

Рубенс виртуозно изображает мгновение, когда тело Христа, освобожденное от креста, должно попасть в сильные руки Иоанна Богослова. Динамичная насыщенная композиция с диагональным построением, живое легкое письмо, лессировки и тонкость прозрачных фактур создают впечатление движения и жизни картины. С помощью светотеневой проработки художник создает плотные, скульптурные, но не тяжелые фигуры.

Иосиф Аримафейский, стоя на лестнице, поддерживает тело Иисуса под руку. Коленопреклонённые святые жены бережно помогают, а Богоматерь приближается к Христу, чтобы принять его тело. Она собрана и сосредоточенна. Интересный прием использует Рубенс для выделения фигуры Христа: фоном фигуры становится белый саван, создающий особое свечение вокруг Иисуса. Эта манера напоминает Караваджо, но носит она иной смысл. Справа на переднем плане изображена одна из страниц Священного писания и медный таз, где лежат терновый венец и гвозди с Распятия в запекшейся крови — символы Страстей Христовых.

Программная барочная работа благодаря гению Рубенса становится глубоко прочувствованным и реалистичным произведением. С технической точки зрения это полотно – триумф колорита, композиции и формы, с содержательной – осмысленное серьезное религиозное творение.

Изображение Земли и неба

Упомянутый натурализм католического художественного наследия связан с ренессансным расцветом философии Фомы Аквинского и Савонаролой. Как отмечает священник В. Данилов в очерке «О некоторых особенностях католического исповедания христианства и влиянии его на историю Западной Европы», «святой Франциск восстановил религию чувства, любовь перекинулась мостом между Богом и человечеством». Проповедь Франциска повлияла на образ Христа, выдвинув земную жизнь Христа на первый план, сделала евангельские события более близкими и реалистичными .

Русская православная традиция иконописи несет в себе иное сообщение. Она обращает человека к свету Первообраза. Из этого следует отображение Божественного мира в иконе через символы, которые раскрывают религиозно-нравственное начало, потому как истинную духовную красоту способно понять одно лишь сердце.

Картина «Снятие с креста»

Дата создания: 1612–14 годы.
Тип: масло, дуб.
Расположение: Антверпен.

Снятие с креста. Рубенс.

Снятие с креста

Вместе с итальянским художником Караваджо, Питер Пауль Рубенс был одним из ведущих фигур в живописи барокко. Оба мастера выразили драму и тайны, лежащие в основе католической догмы, а так же были экспертами в светотени и моделировании форм. Но в то время, когда Караваджо известен неприукрашенным натурализмом, Рубенс придерживается более традиционных правил.

«Снятие с креста» является центральной панелью триптиха, который Рубенс написал для собора Богоматери в Антверпене. Это был второй запрестольный образ завершенный художником. Первый же «Воздвижение креста», датируется 1610 годом. Кроме того, он написал две другие вариации на тему снятия. Одну в 1616–1617, которая теперь находится Музее Изобразительных Искусств (Лилль, Франция), другую в 1617–1618 (Эрмитаж, Россия).

Воздвижение креста. Рубенс.

Воздвижение креста

Холст был заказан в 1611 году главой гильдии Антверпена, по совместительству хорошим другом Рубенса.

Снятие с креста. 1616-1617.

Версия из Лилля

Анализ произведения

Живописец приступил к работе сразу после длительного визита в Италию, где занимался изучением алтарей, нового стиля Караваджизма, а так же анатомическое строение (посредством скульптур ренессанса). «Спуск с креста» полон методов и приемов, почерпнутых мастером после путешествия.

Композиция центральной части триптиха основана на эмоциональном взаимодействии группы фигур, расположенных вокруг безжизненного тела Спасителя. По диагонали картины расположено бледное и мускулистое тело Иисуса и его медленное снятие. Расположенные на вершине двух лестниц, на верхней части холста, двое рабочих начали процесс опускания с помощью бандажа. Они помогают святому Иоанну (в красном плаще) у подножья креста, Иосифу Аримафейскому (стоит по середине левой лестницы) и Никодиму (расположен по середине правой лестницы).

Триптих Рубенса.

Триптих Рубенса

Ниже располагаются три Марии: Дева одета в спокойный синий и поднимает руки к мертвому сыну; ниже изображена приседающая на колени её сестра (не доказано) — Мария Клеопова; Магдалина же с любовью держит левую ногу Спасителя.

На земле справа мы можем видеть медное блюдо, в котором лежит терновый венец и гвозди, оставшиеся после распятия. Блюдо наполнено застывшей кровью. Композиция значительно отличается от аналога Караваджо.

Положение во гроб. Караваджо.

Положение во гроб. Караваджо.

Масштабы картины (420,5*320 см), согласно руководящим принципам католического совета, должны были стимулировать благочестие и воображение зрителя, ведь учение иезуитов акцентировало особое внимание на необходимость развития способности верующего представлять библейские сцены так, будто они были абсолютно реальны. Распятие и его последствия — важный элемент христианского богословия и по сей день.

Снятие с креста. 1617-1618.

Версия из Эрмитажа

Две другие работы Рубенса на эту тему в равной степени драматичны и мастерски выполнены. Некоторые искусствоведы считают, что версия из Эрмитажа предлагает самую тяжелую и монументальную трактовку событий, благодаря небольшому количеству фигур и отсутствию фона. Шедевр из Антверпена принято рассматривать как самый «барочный» из трех.

Эволюция света. «Снятие
с креста»

Без светотени классическая живопись немыслима. С её помощью художники, начиная с эпохи Возрождения, превращали свои картины не просто в красивые изображения — они создавали настоящие тексты, философские трактаты.

Мастерство развивалось годами. Живопись обрела голос, заговорила со зрителями. И как наигранно стали смотреться все картины величайших мастеров на тему кающейся Магдалины, когда своё полотно на этот сюжет создал Микеланджело Меризи да Караваджо.

Проживший немало лет в трущобах, художник отлично знал, как выглядит страдающая проститутка, решившая обратится к вере. Его Магдалина действительно такова.

Её глаза опущены, на лице задумчивая скорбь, ведь, решив поменять свою жизнь, человек обращается не к небу, он задает вопрос самому себе. Это уже финал преображения, последствие бури эмоций, о которой свидетельствуют разбросанные по полу дорогие украшения. В этой блуднице нет и тени кокетства. Она полностью одета, в её платье нет ничего вызывающего.

Нет здесь и ни единого классического упоминания о святости. Нет толпы голых младенцев-херувимов, нет креста, нет неба. Перед нами мрачная комната. В мучительном исступлении, похожем на горячку, провела Магдалина всю ночь. И настало утро. Солнечный свет пока еще совсем слаб, его мягкие лучи видны только в правом верхнем углу полотна. Героиня еще не видит их. Это тот переломный момент ее жизни, когда возврат к старому невозможен, а будущее еще совсем не ясно. То самое предчувствие катарсиса, который вот-вот должен случится, когда на блудницу упадет солнечный свет. Она застыла между двумя реальностями. Её прошлое изорванными украшениями валяется на полу, а будущее только приходит к ней. А руки Магдалины? Так мать держит своего ребенка. Перед нами рождение, только не ребенка, а рождение веры.

Но настоящим мастером игры стал Рембрандт ван Рейн. Именно с его картины «Снятие с креста» мы и решили начать свой сериал.

В сериале будет 10 серий. Три из них мы посвятили Рембрандту.

Свет в живописи — это удивительное явление. Оно меняется, развивается, живёт своей жизнью. Свет — это то единственное, что остаётся от художника после его смерти. Свет бессмертен. Ведь тьма — это всего лишь отсутствие света. И даже, если в один момент его нет, он всегда готов пробиться в самые тёмные пространства. Вырвать из мрака то единственное, ради чего стоит жить.

Читайте также  Театр олимпико палладио

В будущих выпусках мы поговорим об Иване Крамском, Михаиле Врубеле, Николае Ге, Пабло Пикассо, Винсенте ван Гоге. Это только начало пути.

Хотим сказать огромное спасибо сотрудникам Государственного Эрмитажа, без которых этот проект не увидел бы свет. Отдельное спасибо работнику пресс-службы музея Ольге Эбертс, не пожалевшей для нашего фильма ни времени, ни сил.

Караваджо снятие с креста

Рубенс, Питер Пауль – нидерландский живописец, глава и основатель фламандской школы, родился 29 июня 1577 г. в г. Сигене. По смерти отца Рубенса в 1587 г, вдова с детьми переехала в Антверпен. Здесь Питер Пауль Рубенс получил научное образование и некоторое время служил пажом, а в 1592 г. отдался изучению искусства под руководством нидерландских художников ван Ноорта и ван Веэна и в 1598 г. был принят в цех живописцев города Антверпена. На 23 году жизни Рубенс отправился в Италию и долго пробыл в Венеции, изучая колористов и особенно Тициана и Веронезе. В Венеции на него обратил внимание мантуанский герцог Винченцо Гонзага и сделал его своим придворным живописцем.

Рубенс. Автопортрет с Изабеллой Брант

Питер Пауль Рубенс. Автопортрет с первой женой, Изабеллой Брант «в зелени». 1609-1610

Осенью 1608 г. известие о болезни матери вызвало Рубенса в Антверпен, где он и остался после её смерти в качества придворного живописца Нидерландского штатгальтера эрцгерцога Альберта. В 1609 г, Рубенс женился на Изабелле Брант. К этой поре относятся первые его картины: «Поклонение царей», запрестольное изображение Ильдефонсо – произведение чудной законченности и нежного благоухания красоты, и знаменитый портрет Рубенса с супругою в зелени.

Рубенс. Воздвижение Креста

Питер Пауль Рубенс. Воздвижение Креста. 1610

Какого мастерства мог достигать тогда Питер Пауль Рубенс в драматически-подвижных изображениях, показывают «Воздвижение креста» и «Снятие с креста», в которых многое напоминает Микеланджело и Караваджо.

Рубенс. Снятие с Креста

Питер Пауль Рубенс. Снятие с Креста. 1612-1614

Из года в год увеличивалась слава Рубенса, росли богатство, почет и число учеников. С 1623 г. по 1630 г. Рубенс действует успешно в качестве дипломатического агента на службе эрцгерцогини Изабеллы по вопросу о заключении мира в Мадриде и Лондоне, не покидая при этом своих занятий живописью. Впоследствии он еще исполнял другие государственные поручения. После смерти своей первой супруги Питер Пауль Рубенс повенчался в 1630 г, с красавицею Еленой Фурман, которая часто служила ему моделью.

Рубенс. Портрет Елены Фурман

Питер Пауль Рубенс. Портрет Елены Фурман. Ок. 1630

При громадном числе заказов Рубенс успевал чертить одни эскизы, исполнение же картин он поручал ученикам и только иногда, отдельные части, особенно главные, проходил кистью сам. Рубенс жил то в городе, где у него был роскошный дом с богатою художественною коллекциею то в своем поместье Штеене, близ Мехельна. С 1635 г. Рубенс писал по большей части станковые картины, тщательно их выполняя. В последние годы жизни Рубенс сильно страдал подагрою. Рубенс умер 30 мая 1640 года в Антверпене. Место в церкви святого Иакова в Антверпене, где покоится его прах, украшено превосходным произведением его работы – «Мадонной со святыми». Из множества учеников Питера Пауля Рубенса самый знаменитый – Ван Дейк.

Персей и Андромеда. Картина Рубенса

Питер Пауль. Рубенс. Персей и Андромеда

Число картин Рубенса доходит до 1500, Немногие художники имели в свое время такое могущественное и неоспоримое влияние, как Рубенс, и нет ни одной области нидерландской живописи, на которую он не оказал бы воздействия.

Отличительная черта художественной натуры Рубенса – выдающееся дарование к изображению драматически подвижного. Рубенс любит богатую, бурную, страстную композицию, он обладает глазом, который схватывает мгновенное, – фантазией, которая поражает блеском и силою.

Рубенс. Возвращение Дианы с охоты

Питер Пауль Рубенс. Возвращение Дианы с охоты. Ок. 1615

Неисчерпаемое обилие и живость образов, свежесть и поэтичность импровизации, виртуозная техника, мощный, светлый, цветущий, радостный колорит, склонность к преувеличенности мускулатуры и излишней мясистости особенно женских фигур – главные черты живописи Питера Пауля Рубенса, которые особенно сильно выступают в его многочисленных картинах с сюжетами, взятыми из античной древности, частью из истории богов, частью из истории героев и в особенности из вакхического цикла. Из картин этого рода наиболее замечательны: «Похищение Прозерпины», «Персей и Андромеда», «Битва амазонок», «Венера с Адонисом», многочисленные Вакханалии, «Сад любви» и аллегорические изображения из жизни Марии Медичи и аллегория войны.

Ту же страстность, энергию и драматизм Рубенс, вносит и в картины религиозного содержания, что резко их отличает от аскетического благочестия старой школы. И там, где это не слишком выходит за пределы и где удобен сюжет, Рубенс производит сильное впечатление. Таковы, кроме названных картин, «Игнатий, изгоняющий черта», «Страшный суд», «Распятие Петра».

Рубенс. Страшный суд

Питер Пауль Рубенс. Страшный суд. 1617

С теплотою и любовью Рубенс относился к жизни природы и детскому миру, как показывают лучшие его картины, изображающие играющих детей и его пейзажи, в которых он прокладывал новый путь, сочетая величие понимания с глубиною настроения.

В своих картинах из жизни животных, написанных иногда в сообщества с Ф. Снайдерсом, Рубенс удивляет необычайною жизненностью, напряжением физических сил, драматичностью и энергией: «Охота на львов» и «Охота на волков» среди них занимают самое видное место.

Рубенс. Охота на гиппопотама и крокодила

Питер Пауль Рубенс. Охота на гиппопотама и крокодила. 1615-1616

Замечателен Питер Пауль Рубенс и как портретист. К самым крупным работам в этом роде принадлежат: портрет молодой девушки, так наз. Chapeau de paille («Соломенная шляпка»), портрет сыновей художника, его двух жен, доктора Тульдена и «четырех философов». Кроме того Рубенс образовал целую школу выдающихся граверов, которые воспроизводили на его счет для продажи его картины. Сам Рубенс также был силен в гравировании и исполнил множество рисунков для заставок и т. п.

Рубенс.

Питер Пауль Рубенс. «Соломенная шляпка». Портрет свояченицы художника, Сюзанны Фурман. Ок. 1625

  • Назад
  • Вперёд
  • Вы здесь:  
  • Мировое искусство
  • Рубенс – краткая биография

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector