Картины итальянских художников 15 века

Картины итальянских художников 15 века

Итальянские мастера 15-го и 16-го века. Эпоха Возрождения

В трех залах с верхним освещением (117-119) размещены Итальянские мастера 15-го и 16-го века. В Италии процесс превращения феодальной эксплуатации в капиталистическую завершился ранее всего. Отдельные зачатки капиталистического производства появились в некоторых итальянских городах уже в 14-м и 15-м столетии. Там были созданы предпосылки для позднейшей мировой торговли и перехода от ремесла к мануфактуре. На базе экономических изменений совершалась также эволюция духовно-идеологической надстройки, какой является искусство каждого времени. Время, которое требовало гигантов и произвело гигантов, гигантов мысли, страсти и характера, многосторонности и эрудиции.

Эта эпоха называется Возрождением, потому что, сбросив духовные путы средневековья, она привела к возрождению искусства, достигшего своего апогея в античном мире. Золотой фон, на котором средневековые художники писали фигуры святых, был отвергнут в пользу естественного воздушного пространства. Техническим средством передачи его на плоскости картины, имеющей два измерения, явилась математическая конструкция перспективы, которая была открыта во второе десятилетие 15-го века, по всей вероятности, во Флоренции. Тем самым был проложен путь для пейзажной и архитектурной живописи. Предпосылкой этого перелома послужило новое понятие о ценности человеческой личности, в особой степени характерное для эпохи Возрождения. Таким образом возникло желание запечатлеть облик человека на картине, что привело к пышному расцвету портретного искусства.

Реалистическое изображение человеческого тела невозможно без тщательного изучения анатомии. Художники старались выразить красоту человека в правилах пропорций, причем творения античных мастеров, раскопки которых начались в то время, служили им образцом. Заказчиком произведений искусства становится теперь наряду с церковью преисполненная собственного достоинства буржуазия.

Что касается сюжетов картин, то мифологические сцены занимают равное место с библейскими. Для изображения тех и других в одинаковой мере характерны реалистические черты. Ряд шедевров итальянских художников 15-го века (так называемого зал 117 кватроченто), которые можно видеть в зале 117, дают представление о достижениях этого времени.

Антонелло да Мессина. Св. Себастьян. С прекрасным человеческим образом посетитель знакомится в картине «Святой Себастьян» художника Антонелло да Мессина (около 1430-1479), находившегося под влиянием ранненидерландских мастеров (илл. 28). По словам легенды, Себастьян, офицер императора Диоклетиана, был убит за преданность своей вере. Но не тема страдания занимает итальянского живописца, а гармония и пропорциональность человеческого тела. Образцом ему, вероятно, послужили античные скульптуры. Его святой напоминает скорее греческую фигуру Апполона, нежели христианского мученика.

О популярности этого сюжета в 15-м веке говорит и другое изображение Себастьяна, на этот раз кисти феррарского художника Козимо Тура (около 1430-1495). Фигура смоделирована здесь тверже и пластичнее, чем у Антонелло, краски более тусклые и однотонные. В картине, однако, больше динамики. Все оси тела изломлены, что придает изображению драматический акцент.

pinturicchioЕсли в обеих этих картинах проявляется уже очеловечивание образов святых, чуждое средневековью, то в картине «Портрет мальчика» Бернардино Пинтуриккио (1454-1513) посетителя встречает совершенно реальный человек (илл.29). Простые очертания полуфигуры мальчика, словно античный бюст, выдвинуты вперед к самому краю картины. Прекрасно выполнил художник лицо юноши. Очаровывает красивый весенний пейзаж, расстилающийся под нежно-голубым небом на втором плане картины.

Насколько сильным было стремление у художников кваттроченто к жизненности также и при изображении святых, показывает одна из картин феррарского мастера Франческо Косса (1435 или 1436-1477 или 1478). В своем «Благовещении» он рисует диск, обозначающий сияние, не свободно парящим в воздухе, а надевает его наголову ангела. Сцена происходит в богато украшенном зале из цветного мрамора, открывающем вид на дома. Впереди у края картины ползет улитка — символ невинности.

Прелестный образ мадонны создал в картине «Мария за чтением» Лоренцо Каста (около 1460-1535), также выходец из Феррары. На фоне яркого голубого неба четко вырисовывается фигура сидящей женщины, построенная в незамысловатой форме треугольника.

К самым значительным художникам раннего Возрождения во Флоренции принадлежит Сандро Боттичелли (1444 или 1445-1510).

Созданная им в более поздний период творчества предела «История святого Зиновия» повествует о четырех непосредственно следующих друг за другом сценах легенды. На левой части картины лежит попавший под колеса повозки мальчик. Мать приносит мертвого ребенка к святому, который исцеляет его и возвращает родителям (центральная часть). Справа мы видим святого на смертном одре, святой Зиновий умирает в сане епископа Флоренции.

В зале 117 висит еще одно позднее произведение Боттичелли «Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем» (илл. 30). Светлой грустью и сердечностью дышит лицо Марии. Изящность линий и благородные краски характерны для художника

Сандро Боттичелли «Мария с младенцем и Иоанном Крестителем» Гал.№8

С одним из наиболее впечатляющих образов мадонны раннего Ренессанса встречается посетитель в картине «Святое семейство со святой Елизаветой и маленьким Иоанном Крестителем» Андреа Мантеньи (около 1431-1506). Строгую и чеканную композицию картины, особенно ярко проявляющуюся в равноголовии, немного смягчает низкая глухая гамма красок. Пластичность форм, легкий наклон головы Марии, в котором сквозит большая нежность, соблюдение естественных пропорций человеческого тела говорят об изучении художником античных произведений и о блестящей наблюдательности.

Духом раннего Возрождения Проникнуто занимательное, изобилующее любовно переданными деталями повествование сцены «Введение Марии во храм», написанной около 1500 года венецианским живописцем Чима да Конельяно (1459 или 1460-1517 или 1518).

Здесь непринужденно переплетаются итальянские и восточные мотивы, что придает картине при всей ее жизненности сказочный характер. Очаровательна маленькая идиллия с продавцом голубей на ступеньках лестницы.

Особенно излюбленной формой была в эпоху Возрождения круглая картина (тондо). Флорентийский мастер Пьеро ди Козимо (около 1462-1521) избрал ее для своего произведения «Святое семейство с маленьким Иоанном Крестителем». Он хотел сделать композицию хорошо обозримой и при этом гармонично уравновешенной, что соответствовало идеалам Возрождения. Чеканность рисунка и четкое моделирование при помощи светотени характеризуют произведения Пьеро ди Козимо.

Также во Флоренции работал Лоренцо ди Креди (около 1456/60-1537). «Мария с младенцем в зале со сводом» относится к поздним картинам мастера. Тема мадонны, беседующей со святыми, становится с 15-го века довольно частой в итальянском искусстве. Легкая манерность образов указывает на то, что в развитии этого рода картин достигнут определенный предел.

На пороге Высокого Возрождения стоит «Крещение Христа» кисти Франческо Франча (около 1450-1517). Картина датирована 1509 годом. Там, где художники 15-го века еще с особой любовью останавливаются на мелких деталях ,живописцы позднейшего времени ограничиваются немногими крупными фигурами, монументально вписанными в композицию картины. Это мы видим и у Франча. Мягкая рассредоточенность его симметрично построенной группы придаст сцене крещения лирический характер. В 1958 году путем очистки картины от пожелтевшего лака и позднейших закрасок была восстановлена первоначальная чистота красок.

Художественным венцом этого зала является «Сикстинская мадонна» Рафаэля.

Корреджо Мадонна со святым Франциском Илл. 32 — Гал. N 150

Мастерство Корреджо в передаче светотени оказало влияние на последующее поколение художников. Наряду с алтарными картинами Корреджо характер зала 118 определяют выдающиеся произведения великих венецианских живописцев Джорджоне и Тициана.

Пальма Веккио (около 1480-1528) изображает в своей картине «Иаков и Рахиль», созданной около 1515 года, пастушескую идиллию. На фоне богатого ландшафта с пастухами и стадами овец развивается тема нежной любви. То обстоятельство, передана ли здесь библейская легенда об обоих возлюбленных или мифологическая сцена (Парис и Энона прощаются друг с другом на горе Ида), не является решающим. Несравненно важнее тот факт, что вовлечение крестьянской среды в сферу художественного отображения характеризует стремление ренессансного искусства к реализму.

В то время как в других центрах итальянского искусства быстро утверждалось придворно-интеллектуальное направление маньеризма, венецианская живопись старалась сохранить заветы Высокого Возрождения и возобновить связь с классическим реализмом этого периода. Хотя власть Венеции шла уже на убыль, разбогатевший на торговле и промышленности буржуазный патрициат сохранял еще остатки прежнего величия. Все другие городские республики Италии давно уже пали жертвой реакции. Свободная, независимая Венеция, где контр реформация не имела большого влияния, стала в то время прибежищем всех преследуемых итальянских гуманистов. По этим причинам маньеризму не удалось пошатнуть реалистические основы венецианского искусства .

ИТАЛИЯ: живопись, картины, искусство, культура 15-16 век

Поэты и философы эпохи Возрождения искренне считали, что участвуют в возрождении идеалов прекрасной античности, когда в человеке ценилось деятельное начало и гражданское достоинство. В далеком прошлом деятели Ренессанса искали и находили те знания и ценности, которые были нужны им в настоящем.

Благодаря портретным изображениям мы знаем в лицо многих исторических персонажей Италии XV века. Художники часто писали своих современников во фресках на сюжеты Священной истории — в качестве свидетелей или участников события. Станковый портрет как самостоятельный жанр сложился под влиянием античного скульптурного портрета и медальерного искусства, а также нидерландской живописи. Но по сравнению с последней для итальянского портрета в первую очередь характерно стремление к обобщенной характеристике и идеализации персонажа.

Флорентийская традиция предпочитала профильный портрет, по аналогии с изображением на монетах и медалях — как, например, на «Портрете дамы в желтом платье» у Алессо Бальдовинетти (ок. 1425-1499).

Крупнейший мастер ренессансного портрета Антонелло да Мессина (1430-1479) в своих работах следовал нидерландской традиции, но воплощал итальянское понимание идеала человека.

Синтез флорентийского профильного портрета и северной традиции представляет собой знаменитый урбинский диптих Пьеро делла Франчески (1415/20— 1492). Созданные этим художником образы — одновременно идеально-типические и конкретно-реалистические. Его профильный портрет на фоне ландшафта представляет героический образ человека в открытом взаимодействии с окружающим миром.

Джованни Беллини (1435-1516) принадлежал к семье известных живописцев, состоявших на службе у Венецианской республики. Казна оплачивала их работу, в том числе и создание официальных портретов дожей. Портретный стиль Беллини также складывался под влиянием нидерландской живописи.

ИТАЛИЯ живопись картины искусство культура

Кондотьерами называли наемных военных (от «кон-дотта» — «договор»). В трехчетвертном повороте модели, миниатюрной отделке деталей и тонкости живописной моделировки сказывается нидерландское влияние, но пластическая смелость, с которой обобщаются формы лица, напоминает об античной скульптуре. Магическая притягательность образа связана с агрессивной властностью, чего не было у нидерландцев. Это образ итальянского героя своего времени — энергичного, сознающего свою силу и привыкшего повелевать.

ИТАЛИЯ живопись картины искусство культура

На обратной стороне этих портретов помещены аллегорические композиции с изображениями триумфов: герцог восседает на колеснице, запряженной белыми конями, его венчает Слава, а его жена в окружении фигур Веры, Надежды и Милосердия едет ему навстречу.

Портрет с заполненным живописью оборотом представляет собой аналогию памятной медали. Однако здесь профильные изображения даны на фоне глубокого пространства пейзажа и потому становятся более объемными и живыми. Четкость силуэтов сохраняется и подчеркивается крупными пятнами цвета. При этом отдельные детали художник прописывает подробно: морщинки и бородавки на лице герцога, драгоценные украшения его жены. Пейзаж представляет собой панораму, открывающуюся с балкона урбинского дворца (Федерико да Монтефельтро был правителем Урбино). Художник изображает государя, властвующего над своими землями, и его супругу — и одновременно воплощает ренессансное представление о человеке как центре мироздания.

ИТАЛИЯ живопись картины искусство культура

ИТАЛИЯ живопись картины искусство культура

ДЖОВАННИ БЕЛЛИНИ. ОБНАЖЕННАЯ ПЕРЕД ЗЕРКАЛОМ.

1515. Музей истории искусства, Вена

Картина написана в последние годы жизни Беллини (на момент ее создания художнику было около 90 лет), однако она решительно свидетельствует о том, что старый мастер не утратил свежести письма. Некоторые исследователи предполагают, что Джорджо Вазари имел в виду именно это произведение, сообщая, что «Джованни написал для мессера Пьетро Бембо перед отъездом того к папе Льву X портрет одной его возлюбленной столь живо, что, подобно тому как Симон-сиенец [Симоне Мартини] заслужил себе прославление от первого флорентийского Петрарки, так и Джованни — от второго венецианского Петрарки [Пьетро Бембо] в его стихах, как, например, в сонете „О, образ мой небесный и столь чистый. «».

ИТАЛИЯ живопись картины искусство культура

На происхождение дамы, изображенной на этом портрете, могут указывать вышитые на рукаве пальмовые ветки, имеющие явно геральдическое значение. Профильное изображение делает модель более отстраненной — ведь при этом зрительный контакт изображенного и смотрящего невозможен. Четкость силуэта художник подчеркивает с помощью тонкой белой линии в более темных участках. С медальерной двухмерностью лица как бы спорят подчеркнуто объемные детали: жемчужины, украшающие прическу, бусы и подробно выписанные складки рукава.

Кватроченто, итальянское искусство 15 века 8 100 Раздел в процессе наполнения и корректировки

В изобразительном искусстве термин «кватроченто» (по-итальянски «четыреста») является сокращением от «millequattrocento» (по-итальянски «четырнадцать сотен»), что означает пятнадцатый век. Таким образом, он охватывает культурную и художественную деятельность в области живописи, скульптуры и архитектуры в период между 1400 и 1500 годами. Поскольку кватроченто совпало с флорентийским Возрождением (главным центром раннего итальянского Возрождения с его новым энтузиазмом к классическим античным формам из Древней Греции и Древнего Рима) – этот термин часто используется как синоним искусства раннего Возрождения в целом.

Примечание: термин «Ренессанс», используемый для описания новых видов изобразительного искусства, внезапно возникших во Флоренции в 15 веке, впервые был введен французским историком 19 века Жюлем Мишле (1798-1874).

Живопись Кватроченто

XV век стал свидетелем огромного количества новых разработок как фресок, так и масел. Основываясь на достижениях средневекового византийского искусства, а также изысканного международного готического стиля 14-го века, итальянские художники кватроченто в целом перешли от иллюминированных рукописей и других форм книжной иллюстрации к панно и другим крупномасштабным работам, таким как фресковая живопись. Также пришло в упадок декоративное искусство, такое как витражи и мозаика. Хотя темпера оставалась важной средой, живопись маслом, пришедшая из Северной Европы с такими художниками, как Антонелло да Мессина, привлекала все большее количество приверженцев.

«Бичевание Христа» (1450-60, Национальная галерея Марке, Урбино), кисти Пьеро делла Франческа – одна из величайших картин эпохи Возрождения.

Средства, методы, приемы живописи

Художники кватроченто также добились значительных успехов в фигурной живописи (Мазаччо, Андреа Мантенья) и в применении линейной перспективы (Пьеро делла Франческа). Философия гуманизма эпохи Возрождения привела к отходу от декоративной живописи – в стиле византийских икон – в пользу большего реализма и акцента на обнаженных мужчинах и, в меньшей степени, на обнаженных женщинах. Религиозное искусство продолжало доминировать, но начали распространяться светская историческая живопись и портретное искусство: свидетельством тому являются несколько аллегорических шедевров Боттичелли. Это было естественно, учитывая силу и влияние политических покровителей, таких как Семья Медичи во Флоренции, семья Гонзага в Мантуе и другие. Тем временем иллюзионистские техники живописи trompe l’oeil (обманка), такие как ракурс (Андреа Мантенья), начали использоваться на холстах, потолках и в росписи стен. Кроме того, масляная живопись позволила открыть новые способы работы со светом (Джованни Беллини), а также новые техники, такие как сфумато и светотень (Леонардо да Винчи).

Крупнейшими художниками 15 века во Флоренции, Венеции и других местах Италии были: Паоло Уччелло (1397-1475), Фра Анджелико (около 1400-1455), Мазаччо (1401-1428), Доменико Венециано (1410-1461), Андреа дель Кастаньо (около 1420-1457), Пьеро делла Франческа (1420-92), Андреа Мантенья (1430-1506), Боттичелли (1445-1510) и Леонардо да Винчи (1452-1519).

Подробнее о флорентийском искусстве 15 века см.: Ренессанс во Флоренции (ок. 1400-1500).

Сиена

Двумя ведущими художниками сиенской школы живописи кватроченто были Сассетта (ок. 1395–1450), прославившийся алтарем Святого Франциска , написанным для Борго С. Сеполькро (1437–1444, в Лувре и Национальной галерее в Лондоне); и Джованни ди Паоло (1403–1483), известный своей резкостью цвета, удлиненными формами и в целом сказочным качеством. Среди других сиенских художников 15 века – Таддео Ди Бартоло (1362–1422), известный своими фресками, изображающими римских республиканских героев и гражданских добродетелей (1406–1414, Палаццо Пубблико, Сиена); и Доменико Ди Бартоло (1400–1447), известный Мадонной дель Умилта , одним из самых красивых панно раннего Возрождения.

Венеция

Выдающейся фигурой венецианской живописи был Джованни Беллини (1430-1516), сын Якопо (1400-1470), младший брат Джентиле (около 1429-1507) и зять Андреа Мантенья. Джованни Беллини развил более лирический, колористический стиль масляной живописи, основанный на колорито, а не на флорентийской концепции дизеньо. Во время чинквеченто , стиль Беллини поддерживался и развивался такими людьми, как Джорджоне (1477-1510), Тициан (1488-1576), Якопо Тинторетто (1518-1594) и Паоло Веронезе (1528-88).

Скульптура Кватроченто

В области пластического искусства между 15 веком и предшествующим 14 веком, или треченто, было гораздо больше преемственности. Во многом это произошло потому, что готическая скульптура была более развитой, чем готическая живопись. Беглый взгляд на барельефы и статуи колонн на фасадах и дверных проемах соборов 12 века свидетельствует об исключительном трехмерном реализме, который создавался за столетия до Микеланджело. Со своей стороны, скульпторы кватроченто эпохи Возрождения улучшили готические произведения, добавив в свои статуи новые эмоции, энергию и осмысленность, по большей части заимствованные из классической скульптуры. Четырьмя величайшими фигурами итальянской скульптуры эпохи Возрождения были Лоренцо Гиберти (1378-1455), Донателло (1386-1466), Андреа дель Верроккьо (1435-88) и, конечно, Микеланджело. В Сиене ведущим скульптором был Якопо делла Кверчиа (1374–1438).

Архитектура кватроченто

Стиль архитектуры раннего Возрождения был вдохновлен и сформирован повторным открытием классических архитектурных теорий (включая каноны пропорций), таких как копия De Architectura римского архитектора I века Витрувия, обнаруженная в Риме. Между тем, флорентийский архитектор Филиппо Брунеллески (1377–1446) уже начал свое изучение древнеримских конструкций и считал, что оптимальные пропорции здания могут быть определены с помощью математических и геометрических принципов. Лучшая работа Брунеллески, которая теперь рассматривается как первый образец архитектуры эпохи Возрождения, была его величественным дизайном для купола готического собора Флоренции (1420-36). Среди архитекторов, другие важные классики кватроченто были Леон Баттиста Альберти (1404-72), Бернардо Росселлино (1409-64), Гильяно да Сангалло (1443-1516) и Донато Браманте (1444-1514), который впоследствии стал ведущим строительным дизайнером эпохи Высокого Возрождения синквеченто.

Величайшие произведения искусства кватроченто

Картины

Фрески капеллы Бранкаччи (1424-28) работы Томмазо Мазаччо. Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция.
Изгнание из Эдемского сада (1425 г.) Томмазо Мазаччо. Фрески часовни Бранкаччи.
Святая Троица (1428 г.) Томмазо Мазаччо. Фрески Санта-Мария-Новелла, Флоренция.
Битва при Сан-Романо (1438-55) Паоло Уччелло. Национальная галерея Лондона; Уффици Флоренция; Лувр, Париж.
Благовещение (ок. 1450 г.) Фра Анджелико. Музей Сан-Марко, Флоренция.
Бичевание Христа (1450-60) Пьеро Делла Франческа. Национальная галерея Марке, Урбино.
Фрески Зала Спози (1465-74) работы Андреа Мантенья. Camera Picta, Герцогский дворец, Мантуя.
Охота в лесу (1470 г.) Паоло Уччелло. Эшмоловский музей, Оксфорд.
Христос в терновом венце (Ecce Homo) (1470 г.) Антонелло да Мессина. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Оплакивание мертвого Христа (ок. 1470-80) Андреа Мантенья. Пинакотека Брера, Милан.
Экстаз святого Франциска (1480) Джованни Беллини. Коллекция Фрика, Нью-Йорк.
Христос вручает ключи святому Петру (1482) Пьетро Перуджино. Фреска в Сикстинской капелле.
Примавера (1482–1413) Сандро Боттичелли. Уффици, Флоренция.
Мадонна в скалах (1483-1455) Леонардо да Винчи. Лувр, Париж.
Рождение Венеры (1484-86) Сандро Боттичелли. Уффици, Флоренция.
Дама с горностаем (1490) Леонардо да Винчи. Музей Чарторыйских, Краков.
Старик с мальчиком (1490) Доменико Гирландайо. Лувр, Париж.
Тайная вечеря (1495–98) Леонардо да Винчи. Фреска в Санта-Мария-делле-Грацие, Милан.

Примечание: одним из первых экспертов по атрибуции картин, созданных в век кватроченто , был ученый эпохи Возрождения Бернард Беренсон (1865-1959), который большую часть своей жизни прожил недалеко от Флоренции и опубликовал ряд очень влиятельных книг по живописи раннего Возрождения.

Скульптуры Quattrocento

• Якопо делла Кверчиа (1374–1438)
Фонте Гайя (1414–1919) Лоджия Палаццо Пубблико, Сиена.

• Лоренцо Гиберти (1378–1455).
Врата рая (1425–1452 гг.), Бронза, Флорентийский баптистерий.

• Донателло (1386–1466),
пророк Аввакум (1423–1416), музей Опера дель Дуомо, Флоренция.
Давид (ок. 1440) Бронза, Национальный музей дель Барджелло, Флоренция.
(Подробнее см.: Давид Донателло).

• Поющая галерея Луки делла Роббиа (1399-1482) (1431-38) Флорентийский собор.

• Антонио Поллайуоло (1432-1498)
Геракл и Антей (около 1470), бронза, Национальный музей дель Барджелло, Флоренция.

• Андреа дель Верроккьо (Андреа ди Чиони) (1436-1488)
Давид (около 1475) Бронза, Национальный музей дель Барджелло, Флоренция.
Конная статуя Бартоломео Коллеони (1495 г.) Венеция.

• Никколо Дель’Арка (1462-1494)
Оплакивание мертвого Христа (около 1463) Национальная Пинакотека, Болонья.

• Микеланджело (1475-1564)
Пьета (1497-99) Мрамор, Базилика Святого Петра, Рим.

• Для получения дополнительной информации о флорентийских фресках кватроченто и изображениях темперой см.: Анализ известных картин.

Эволюция визуального искусства
Хронологию, события, даты и стили см.: История искусства.
Краткое справочное руководство по художественным движениям, см.: Art Movements.

Великие художники мира
О ведущих художниках Европы (до 1830 г.) см.: Старые мастера.

Итальянская живопись 13-14 веков

Ведущую роль в итальянской живописи 13 столетия играла византийская традиция. Италия представляла собой пестрый конгломерат культурных центров. Особую роль среди многочисленных местных школ играла Флоренция и вообще область Тоскана — города Пиза, Лукка, Сиена. Первые признаки Возрождения согласно Вазари появляются в конце 13 века вместе с двумя великими флорентинцами — Чимабуэ и Джотто, которые отбросили византийские приемы и возвратились к подлинным античным традициям. Живописная реформа Джотто оказалась источником плодотворных и творческих поисков художников 14 столетия. И хотя ни одному из них не удалось стать преемником синтетического стиля Джотто, все крупнейшие художники ведущих центров — сиенцы Симоне Мартини, Пьетро и Амброджо Лоренцетти, и северо-итальянские художники Пьетро да Римини и Джованни Милано — в своем творческом развитии идут путем намеченным Джотто. После фресок в церкви Сан-Франческо расположенной в Ассизи Чимабуэ становится самым крупным флорентийским живописцем 14 века. Его влияние на развитие тосканской живописи становится определяющим. Он повлиял и на сложение стиля ведущего сиенского художника того времени Дуччо.

Читайте также  Самое вкусное оливковое масло

В композиции «Богоматерь на троне в окружении ангелов» стиль Чимабуэ изменяется под влиянием работ скульптора Никколо Пизано, которые он мог видеть в Риме и особенно в Пизе. Художник стремится отойти от византийской манеры в сторону античного наследия. На смену жестокой трактовке форм приходит более нежная и гибкая, даже чувственная в изображении плоти. В изображении драпировок вместо золотых линий появляются пластичные, мощные складки, имитирующие скульптуру. Колорит становится более изысканным, с преобладанием голубых, розовых, сиреневых, бледно-желтых оттенков.

картина Чимабуэ «Богоматерь на троне в окружении ангелов»

Фото картины Чимабуэ «Богоматерь на троне в окружении ангелов»

В истории европейского искусства живописи Джотто всегда считался первым, кто принес в живопись черты реализма. Направление в живописи, которое началось с Джотто, подразумевало объемную трактовку пространства как трехмерного и реального. На смену бесплотным телам в ирреальном пространстве в его живописи приходят плотные, объемные персонажи. Пластическая сила фигур, сдержанный драматизм и сила повествования, трехмерная трактовка архитектуры, предметы, изображенные в затейливых ракурсах, — все эти черты, характерные для знаменитых росписей Джотто в капелле де Арена, что в Падуе, отмечают решительность перелома в византийских традициях и предвосхищают поиски художников итальянского Кватроченто. Влияние Джотто, который, помимо Падуи, работал в Римини, Флоренции, Ассизи, Милане и Неаполе на современную итальянскую живопись было огромно.

В коленопреклоненной фигуре Святого Франциска («Святой Франциск, получающий стигматы») появляется то ощущение массы и скульптурного объема, которое отличает зрелые работы мастера.

картины Джотто ди Бондоне «Святой Франциск, получающий стигматы»

картина Джотто ди Бондоне «Святой Франциск, получающий стигматы»

Флорентийский мастер Треченто Бернардо Дадди в известной мере воспринял традиции искусства Джотто и его мастерской, но сочетал их с изысканностью сиенской школы. В своих работах он своеобразно воплощает новаторские идеи заимствованные у Джотто и Пьетро Лоренцетти. Картина «Благовещение» как раз и свидетельствует о том, что художник не только наделен даром повествования, но и обогащает свои работы изысканными декоративными деталями.

картины Бернардо Дадди «Благовещение»

картина Бернардо Дадди «Благовещение»

Джованни да Милано — один из самых выразительных итальянских художников Треченто. Будучи во Флоренции, он опирается на художественное видение Джотто. Его стилю присущ только реализм. Такие работы как «Святой Франциск Ассизский» отличаются элегантностью вытянутых пропорций, интимностью образа, острой физиономической характеристикой. Творчество Джованни ди Милано оказало заметное влияние на мастеров интернациональной готики, в Италии его преемниками были Джентиле да Фабриано, Мазолино, Сассетта.

картина Джованни Милано «Святой Франциск Ассизский»

картина Джованни Милано «Святой Франциск Ассизский»

Мастер Святого Франциска был родом из Умбрии. Начиная с 1340 годов, он принимал участие в украшении храма Сан Франческо в Ассизи, где его кисти принадлежат росписи в нижней базилике на сюжеты из жизни Христа и Святого Франциска. Архаичный, изысканно линейный стиль Мастера Святого Франциска свидетельствует о его приверженности византийской манере как, например, в картине «Распятие».

картины Мастера Святого Франциска «Распятие»


картина Мастера Святого Франциска «Распятие»

Симоне Мартини своими темами аристократической утонченностью определил своеобразие сиенской школы живописи вплоть до середины 15 го века. Кроме того, он сыграл особую роль в развитии готического вкуса в живописи, особенно благодаря поздним произведениям, созданным для папы Клемента V, перенесшего свою резиденцию в Авиньон. Приехав в Авиньон в 1340 году, Мартини приносит влияние сиенской школы на север Европы, прежде всего во Флоренцию. На протяжении последующих четырех лет художник работает над серией картин, в которых поиски готической абстракции смягчены тонким чувством реальности. Динамическая патетика пронизывает и всю композицию «Несение креста».

картина Симоне Мартини «Несение Креста»

картина Симоне Мартини «Несение Креста», 1333, темпера на дереве, 28 см. x 16 см.

Липпо Мемми в 1324 году женился на сестре художника Симоне Мартини и тогда же стал его учеником. В своих работах, например «Святой Петр», он был рафинированным интерпретатором искусства учителя, с которым вместе работал над знаменитым алтарем со сценой Благовещения.

картина Липпо Мемми «Святой Петр»

картина Липпо Мемми «Святой Петр», около 1330, 94 см. x 44 см.

Пьетро Лоренцетти подобно Мартини сформировался в кругу Дуччо в Сиене, однако позже обратился к искусству Джотто, сочетая в своей живописи сиенскую традицию и современную трактовку пространства. Знаменитая фреска Пьетро Лоренцетти Распятие в нижней церкви Сан-Франческо в Ассизи, поражающая мощной патетикой и трагизмом, оказала большое влияние на итальянское искусство того времени. Умение подчеркнуть объем, погруженный в пространство, соразмерное фигурам, отличает алтарные композиции Пьетро Лоренцетти, как его картине « Поклонение волхвов».

картина Пьетро Лоренцетти «Поклонение волхвов»


картина Пьетро Лоренцетти «Поклонение волхвов»

Творчество Амброджо Лоренцетти развивалось параллельно творчеству его старшего брата Пьетро. Несмотря на разные стилистические концепции, они интересовались поисками живописи флорентийской школы, рассматривая их с точки зрения сложившихся сиенских традиций. Образы восприятия мира становятся человечнее и современнее, а жесты фигур более правдивыми, словно увиденными в реальной жизни. В его картине «Милосердие Святого Николая Мирликийского» линейная элегантность присущая сиенской школе живописи, сочетается с флорентийским, восходящим к Джотто расположением объема в пространстве.

картина Амброджо Лоренцетти «Милосердие Святого Николая Мирликийского»

Пьетро да Римини работал со второй половины 14 века, это наиболее яркий и влиятельный представитель второго поколения мастеров школы Римини. Его произведения отличаются рафинированным, просветленным стилем как в картине «Снятие с Креста».

картина Пьетро да Римини «Снятие с Креста»

картина Пьетро да Римини «Снятие с Креста»

Лоренцо Венециано, работавший в Венеции в 1356-1372 годах, стремился уйти от византийской манеры. Вероятно, он совершил поездку в Болонью, оказавшую влияние на сложение его стиля, в котором усиливаются элементы повествовательности, острое восприятие природы. Персонажи его работ обретают телесную плотность. Однако в последний период творчества Венециано оставляет поиски нового стиля и эволюционирует в сторону грациозной элегантности. Можно говорить об усилении готических влияний, что выражается в подчеркнутой хрупкости, утонченности образов и причудливых композиционных построениях, полных напряжения.

картина Лоренцо Венециано « Мадонна с Младенцем»

картина Лоренцо Венециано « Мадонна с Младенцем»

Джентиле де Фабриано, вероятно, обучался в рафинированной среде художников и миниатюристов в Орвьето. Он работал не только в разных городах Италии (Венеция, Брешия, Флоренция), но и во Франции. Творчество Джентиле да Фбриано считается одним из высших достижений интернациональной готики. Страстный экспериментатор, усвоивший живописные различные живописные традиции, он воплощает эстетические идеалы изысканного придворного искусства. Его самое известное произведение — алтарь, созданный по заказу богатого флорентийского горожанина Филиппо Строцци. Художник великолепно использует декоративное богатство костюмов, создает затейливые архитектурные построения и виртуозно использует эффекты света.

картина Дженитиле де Фабриано «Принесение во храм»


Фото картины Дженитиле де Фабриано «Принесение во храм»

Лоренцо Монако сформировался во Флоренции, где он был монахом камальдолийского монастыря Санта Мария дельи Анджели. Его искусство дает пример своеобразного синтеза джоттовской традиции и линейной фантазии, характерной для живописи Флоренции конца 14 века. Мягкий прерывмстый контур удлиненных и изогнутых силуэтов, живые контрасты цвета, духовная значительность ликов отличают две сцены «Пир Ирода» и «Распятие». Лоренцо Монако прямо или косвенно повлиял на большинство флорентийских художников младшего поколения, которые часто, не замечая осуществленной художественной революции, продолжали готическую традицию.

картина Лоренцо Монако «Распятие»

картина Лоренцо Монако «Распятие»

картина Лоренцо Монако «Пир Ирода» - Итальянская живопись 13-14 веков

картина Лоренцо Монако «Пир Ирода»

Таким образом, в северо-итальянской живописи начиная со второй половины 14 века, формируются такие северо-итальянские качества или реалистичные принципы (так называемый «эмпирический реализм»), которые проявляются в обостренном внимании к разнообразию окружающего мира, к пейзажам и архитектурным фонам, интерьерам, животному и растительному миру, к изображению человека. Такие качества делают композиции итальянских художников, отличающиеся большей свободой и независимостью от общепринятой иконографической схемы, занимательными в своей сценической жанровой повествовательности, насыщенными интересными подробностями, свежими деталями, остро подмеченными ситуациями. Их работы воспринимаются как интересный увлекательный рассказ. Если им не хватает лаконизма и определенной ясности, то это восполнено острым чувством реальности. Ярче всего эта характерность восприятия мира мастерами — художниками Северной Италии проявляется в изображениях человека.

В то время как у художников треченто преобладает одинаковая, почти схематичная трактовка человеческого лица (один из воспринятых уроков Джотто), позволяющая говорить о «тречентистских стандартах», северо-итальянские художники смело разбивают эту принятую схему. Населяющие фрески люди более индивидуализированные, и поражают реалистической остротой и конкретикой портретно трактованных лиц.

Живопись Средней и Северной Италии 15 века

Открытия в области передачи объема, пластики, живописи, ее перспективных построений, сделанные флорентийскими художниками, вскоре становятся достоянием мастеров других областей, где дольше держались готические традиции. К середине 15 века происходит формирование ренессансной живописи в областях Средней и Северной Италии.

Мантенья Андреа Моление о чаше
Андреа Мантенья
Моление о чаше, 1455
Национальная галерея,
Лондон
Пьеро делла Франческа Герцог Урбинский Федериго да Монтефельтро и его супруга Баттиста Сфорца
Пьеро делла Франческа
Герцог Урбинский Федериго да
Монтефельтро и его супруга Баттиста
Сфорца, 1466, Уффици, Флоренция
Перуджино Пьетро Отвага Умеренность и шесть античных героев
Пьетро Перуджино
Отвага, Умеренность и шесть
античных героев, фреска, 1497
Колледжо-дель-Камбио, Перуджа

Пьеро делла Франческа. В распространении ренессансных принципов очень большую роль сыграл Пьеро делла Франческа (около 1410/1420 – 1492) – один из крупнейших монументалистов и теоретиков живописи раннего Возрождения. Он работал во многих городах Средней Италии: Ареццо, Урбино, Ферраре, Риме. Его искусство, полное эпического спокойствия и просветленной героики, оказало большое воздействие на развитие ряда видных мастеров умбрийской и многих других итальянских школ.

Пьеро делла Франческа учился у Доменико Венециано, некоторое время жил во Флоренции, проявил глубокий интерес к теоретическим проблемам живописи; позже он написал трактаты «О живописной перспективе» и «О правильных телах». В своем творчестве он соединил интерес к проблеме света и цвета с поисками строгой пропорциональности фигур, ясности правильных объемов и перспективных построений.

Отбрасывая второстепенное, укрупняя и обобщая реалистические формы, он создавал типические образы, полные сдержанности, чувства собственного достоинства, веры в нравственную чистоту и совершенство разума человека. Наиболее прославленное его творение – ансамбль росписей на тему легенды о животворящем кресте – украшает церковь Сан-Франческо в Ареццо (1452–1466).

Развивая традиции Джотто и Мазаччо, Пьеро делла Франческа создает целостную декоративную систему, подчеркивающую архитектонику сооружения; он развертывает происходящее действие параллельно плоскости стен, хотя в более глубоком, чем у его предшественников, как бы насыщенном воздухом пространстве. Единый ритм объединяет архитектурные фоны и пластически проработанные фигуры. Часто художник вводит профильные изображения, предпочитает закругленные силуэты, плавные контуры, четкие членения. Написанные поразительными по прозрачности нежно-розовыми, лимонно-желтыми, лиловыми, синими, изумрудно-зелеными красками композиции художника Пьеро делла Франческа составляют единую лучезарную гармонию, обогащенную оттенками различной светосилы.

Замедленно развертывается композиция фрески «Прибытие царицы Савской к царю Соломону». Величественны и важны фигуры молодых женщин в длинных платьях, ниспадающих свободными складками, размерен ритм благородных движений свиты, плавны линейные очертания. Пропорциональны отношения между отдельными частями композиции, объемами, красочными плоскостями. Ясно выделены пространственными паузами герои – царица Савская и царь Соломон. Радостные, звучные краски светлой серебристой гаммы подчинены единой цели – созданию живописного ансамбля, торжественного и праздничного.

Иной характер носит фреска «Сон Константина», где настроение тишины и таинственности создает ночной полумрак, пронизанный кое-где светом. Неподвижно застыли фигуры стражников в ночном карауле, мерцающий свет ночника освещает спящего в шатре Константина, яркое сияние исходит от явившегося ему во сне ангела, который предсказывает царю победу в грядущей битве. Во фреске «Битва Константина с Максенцием» многофигурная композиция пронизана напряженным четким ритмом. Серебристый свет дня сообщает эпическое величие сцене. Светлое голубое небо, победно реющее знамя, стройность рядов войска Константина ясно раскрывают идею произведения. Чередуя разнопланные композиции, художник создает полнокровную гармонию росписей, контрастных и единых в общем ансамбле церкви Сан-Франческо.

Если в монументальных фресках персонажи Пьеро делла Франческа обладают обобщенно-типическими чертами, то в замечательных парных портретах герцогов урбинских – энергичного, умного и властного Федериго да Монтефельтро и его строгой жены Баттисты Сфорца (оба – ок. 1465, Флоренция, Уффици) – выявлены индивидуально неповторимые черты моделей. Профильные композиции не помешали художнику передать объемность форм, остроту характеристик. Чудесны как бы окутанные воздушной дымкой пейзажи, на фоне которых господствуют образы портретируемых, гордые, замкнутые.

Мантенья. Главным представителем ренессансной живописи Северной Италии был Андреа Мантенья (1431–1506), деятельность которого связана с Падуей, университетским городом, одним из центров гуманизма и научной мысли эпохи раннего Возрождения. Формирование идеалов Возрождения в Северной Италии, где свободные города-коммуны с 14 века превратились в тирании, происходило медленно, в напряженной борьбе с готической традицией в условиях возникновения придворной культуры. Мантенья был не только живописцем и рисовальщиком, но ученым, теоретиком, археологом, одним из лучших знатоков античности. Он учился в мастерской Скварчоне, у которого воспринял и элементы готической традиции и глубокий интерес к античному наследию. Мантенья сохранил некоторую жесткость и угловатость даже в самых ренессансных, пронизанных античным мировоззрением вещах. Чеканно правильный рисунок сочетается в них с ощутимо объемной, почти скульптурной формой, суровым, сдержанным колоритом. В античности нашел художник свой идеал человека-борца, который претворил в образы людей эпохи Возрождения, наделенных силой и страстностью переживаний, внутренним достоинством. Не меньшую роль в формировании стиля живописи Андреа Мантенья сыграли достижения флорентийской школы.

Драматизм и героика легенд и действительности органично сочетаются в произведениях живописца Андреа Мантеньи. Жизнь представляется в них как жестокая борьба, исполненная противоречий и конфликтов. В росписях Мантенья дал новые иллюзорные приемы построения пространства, неожиданные ракурсы и аспекты изображения. В них постоянно виден расчет аналитика, разрабатывающего логические принципы композиции, знатока перспективных построений. И в то же время Мантенье присущи острое чувство индивидуального, черты повышенной экспрессивности, необычайной страстности и патетики, подчеркивающие жизненность его сложных суровых образов. Монументальные фрески Мантеньи украшают капеллу Оветари при церкви Эремитани в Падуе (1449–1455).

В «Шествии святого Иакова на казнь» необычны и композиционное построение сцены и точка зрения на нее снизу, так что в резком перспективном сокращении вырисовывается античная арка, сквозь которую видна улица одного из городов Римской империи, с домами современной Мантенье архитектуры. На переднем плане – фигура воина в укрупненном масштабе, объемная, закованная в броню. Лица присутствующих строги, благородны, полны серьезности. По заказу Лодовико Гонзага Мантенья расписал парадное помещение дворца в Мантуе (1474), впервые создав целостную систему декоративных росписей, основанную на их логически ясной связи с конструкцией архитектуры самого интерьера. Здесь в зале камеры дельи Спози художник представил семейный портрет герцога Гонзага. Скомпонованный живо и естественно, он объединяет всех членов этой большой семьи в единую монументальную композицию. Проницательно раскрывает художник человеческие характеры, их монолитную цельность и типичность. С невиданной ранее смелостью и виртуозностью Мантенья достигает впечатления перехода от реального пространства к созданному в живописи. Живые портретные характеристики сохраняет художник и в сцене «Встреча Лодовико Гонзага с кардиналом Франческо Гонзага». Своеобразно решение плафона с точкой зрения снизу вверх, создающее иллюзию сквозного круглого отверстия. За написанной балюстрадой словно развертывается сияющее голубое небо с бегущими по нему облаками. Объемные фигуры женщин и детей, склонившихся к балюстраде, написанной художником в резком ракурсе, еще более усиливают иллюзорность изображения.

Глубокое понимание Мантеньей античности, культ ее героики проявились в цикле «Триумф Цезаря» (между 1485–1492 годами, Лондон, Хэмптон-Корт), в котором художник выступил одним из создателей исторического жанра. В исполненных гризайлью девяти композициях, как будто овеянных духом античных рельефов, переданы и чеканный ритм марша римских легионов, несущих трофеи, и торжественный строй колесниц, и медленное движение пленных, составляющих часть шумного триумфального кортежа. Нашедшие здесь выражение идеи героизма и доблести, мужества и патриотизма перекликаются с передовыми тенденциями современного Мантенье исторического развития. с устремлениями к гражданской свободе и политическому объединению Италии.

Лирическая тема античной поэзии, воспевающей красоту совершенного человека, мечта об идеале нашли выражение в композиции «Парнас» (1497, Париж, Лувр). Отточенное мастерство отличает замечательные рисунки («Юдифь», 1491, Флоренция, Уффици) и гравюры Мантеньи, прокладывающего своим искусством путь Высокому Возрождению.

Итальянский Ренессанс (XV-XVI вв.)

Эпоха Возрождения или Ренессанс имеет мировое значение для истории культуры Европы, так как в этот период происходит настоящее возрождение всех видов деятельности. Италия переживает Ренессанс в XV-XVI веках.

Итальянский Ренессанс (XV-XVI вв.)

Отличительная черта эпохи Возрождения — это светский характер культуры, ее гуманизм и антропоцентризм. В этот период каждый лорд и принц стремится показать свою важность и свое богатство, украшая и облагораживая дворец или город, в котором он живет. Наибольший расцвет искусства и культуры приходится на Флоренцию, которая под предводительством семьи Медичи, и особенно Лоренцо Великолепного, стала богата памятниками, церквями и дворцами. Но и во многих других городах Италии также начали создаваться произведения искусства неоценимой важности, которые сделали Италию одной из самых богатых стран мира в культурном смысле.

Великих художников пятнадцатого века много — это Брунеллески, Донателло, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Мантенья, Боттичелли и другие — но гениев шестнадцатого века всего трое — Леонардо, Микеланджело и Рафаэль. Также достоин величайшего внимания Тициан. Эти великие художники пытаются преодолеть жесткий рационализм и перспективно-геометрические нормы для новой цели — непосредственного исследования природы. Рассмотрим самых значимых художников, архитекторов и гениев итальянского Ренессанса и их великие шедевры.

Филиппо Брунеллески (Флоренция, 1377 — 1446 гг.) – итальянский архитектор и скульптор эпохи Возрождения. Он обучался во Флоренции, но в Риме изучал структуры древней архитектуры, в особенности строение свода. Его шедевр это купол Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции, грандиозный купол (90 м в высоту и 42 м в диаметре) в каменной кладке. Чтобы уменьшить его вес, художнику пришла гениальная идея: он построил его в восьмиугольной форме, оставив пустое пространство между внешней и внутренней оболочкой купола, которое заканчивается заостренным концом (согласно готическому стилю), и вводит барабан. Знаменитый купол красного цвета стал символом Флоренции, и как бы парит над всем городом.

Донателло (Флоренция, 1386-1466 гг.) – считается важнейшим скульптором XV века, а также является основоположником индивидуализированного скульптурного портрета. Донателло интерпретирует классический дух как исследование человеческого тела в его реальности, то есть так, как оно есть без всякого приукрашивания. Для этого он всегда использовал обычных людей с улицы в качестве моделей. Его шедевром считается Давид, бронзовая статуя, в которой вы можете увидеть сплав воссоздания античности и беспокойства эпохи Возрождения в непрерывной игре света и тени.

Мазаччо (Сан-Джованни-Вальдарно, 1401 — Рим, 1428 гг.) – знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи Ренессанса. Мазаччо интерпретирует новое ощущение пространства в соответствии с законами перспективы и изучает свет, который, играя с тенями, дает телам облегчение и подчеркивает эмоциональную напряженность его фигур. Среди его самых важных работ — фрески в капелле Бранкаччи во Флоренции.

Пьеро делла Франческо (Борго-Сансеполькро, 1416/17-1492 гг.) – итальянский художник и теоретик, устанавливающий правила перспективы с геометрической точностью. Атмосфера его картин редко бывает драматичной, а фигуры кажутся бесстрастными, но это подчеркивает торжественность сцен. Среди его лучших работ — Алтарь Монтефельтро, также называемый Мадонна дель Уово (итал. uovo — яйцо), потому что яйцо, свисающее с апсиды, является символом жизни. Эта работа считается наиболее представительной картиной итальянской живописи пятнадцатого века.

Андреа Мантенья (Падуя, 1431 — Мантуя, 1506 гг.) – итальянский художник, представитель падуанской школы живописи. В отличие от большинства других классиков итальянского Ренессанса, писал в жесткой и резкой манере. Для его живописи характерна смелая перспектива фигур и способность преображать пространство целого с помощью живописного декора. Он является автором картин так называемой Камеры дельи Спози (в переводе с итальянского «Комната супругов») в Герцогском дворце Мантуи. Особенно прекрасна та деталь свода, где фигуры и животные появляются в головокружительной перспективе к небу с балкона. Эта работа послужит примером для художников последующих поколений.

Сандро Боттичелли (Флоренция, 1445 — 1510 гг.) – итальянский живописец, один из значимых мастеров эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи. Художник ищет в своей живописи идеальный баланс между мифом и реальностью, что видно из его самых известных работ — «Весна» и «Рождение Венеры», двух предметов языческого вдохновения. Фигуры, согласно концепции эпохи Возрождения, обладают тонкими чертами и становятся частью природы. Красота идеализирована. В своих картинах он использует светлые тона, вуали и прозрачность, чтобы создать сверхъестественную атмосферу.

Большинство персонажей эпохи Возрождения были экспертами во многих дисциплинах, но настоящий универсальный гений – Леонардо да Винчи (Винчи, Флоренция, 1452 г. — Амбуаз, 1519 г.), одновременно художник, ученый, инженер, литератор. Да Винчи утверждает, что для того, чтобы раскрыть тайну вещей, нужно внимательно наблюдать за ними, поэтому он оставил много набросков и рисунков, которые раскрывают его способность наблюдать даже самые маленькие природные явления — он изучает и воспроизводит полет птиц, растений, человеческое тело и конструирует летательные аппараты, новое оружие и всевозможные изобретения.

Среди его шедевров мы помним Мону Лизу или Джоконду, чья загадочная улыбка стала пресловутой, и Последний ужин, необычную фреску, воспроизводящую драму Тайной вечери Иисуса с апостолами. Фигуры, очертания которых размыты, вписываются в пейзаж, создавая мечтательную, почти нереальную атмосферу. Эта техника, называемая техникой «нюансов», с постепенным переходом от темных тонов к светлым, позволяет художнику отойти от традиционного флорентийского искусства, основанного на рисунке и объеме, и погрузить фигуру в естественный космический образ, совокупность среды и человека, форма универсального пантеизма вне времени.

Микеланджело Буонарроти (Капрезе, Ареццо, 1475 г. — Рим, 1564 г.) – итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт и мыслитель. Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения и раннего барокко. Обладая трудным характером, очень замкнутым и уединенным, он терзается поисками совершенства. За его долгую жизнь у него было много врагов. Скульптор, как он сам предпочитал определять себя в каждом случае, является автором статуй, полных выразительной силы, в том числе «Оплакивание Христа», Давида и Моисея.

В Ватикане он расписал фресками Сикстинскую капеллу — титаническое произведение, стоившее ему десяти лет усилий и вызвавшее серьезные проблемы со зрением: гигантские фигуры на фреске ясно выражают беспокойство его измученной души. Наконец, среди его работ как архитектора следует упомянуть грандиозный купол Сан-Пьетро.

Рафаэль Санти (Урбино, 1483 г. — Рим, 1520 г.) – итальянский живописец, график и архитектор умбрийской, а затем римской, школы. Один из ярчайших представителей искусства эпохи Высокого Возрождения. За свою недолгую жизнь он стал одним из самых прославленных и богатых художников Италии. Рафаэль был сыном художника, от которого он получил свое первое художественное образование, прославился в очень молодом возрасте. В своих картинах он выражает классический идеал безмятежной и гармоничной красоты. Он работает во Флоренции, где пишет множество милых Мадонн, и в Риме, где расписывает залы Ватикана, знаменитые Станцы Рафаэля, с гармонично расположенными сценами на симметричном фоне.

Эпоха Возрождения в Италии — это период великих перемен и достижений. Самыми известными достижениями итальянского Возрождения являются произведения изобразительного искусства и архитектуры, но этот период также значим расцветом в литературе, музыке, философии и в различных науках. Наивысшие произведения и шедевры художников Возрождения связаны не только с Флоренцией, но и с Римом, поскольку именно в Вечном городе они могли ощутить непосредственное воздействие наследия античной культуры. Итальянская живопись эпохи Возрождения оказала доминирующее влияние на европейскую живопись на многие столетия.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector