Мадонна со змеей караваджо

Мадонна со змеей караваджо

Микеланджело Меризи да Караваджо

Художник, который оказал влияние на всю европейскую живопись, начинал с картин, отмеченных светлым колоритом и лиричным настроением. В молодые годы Караваджо жил у богатого мецената, папского прелата монсеньора Пандольфо Пуччи, а позднее — у живописца кавалера д'Арпино и писал томных, прекрасных юношей, то музицирующих, то держащих в руках цветы или фрукты и смотрящих на зрителя из-под полуприкрытых век. Один из таких персонажей изображен на этом холсте.

В картине присутствует чувственность, которой отмечены подобные полотна мастера раннего периода: симпатичный уличный мальчишка принял красивую позу, чуть запрокинув голову, спустив рубашку с одного плеча и мягко прижав к себе корзину. Но если облик человека еще идеализирован, то в представленном здесь натюрморте проявился талант Караваджо-реалиста, скоро вовсю заявившего о себе. Художник умело выписал не только бархатистую кожу персиков и глянцевитую яблок, но и темные пятнышки на плодах и подсохшие листья.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) Больной Вакх Около 1593–1594. Холст, масло. 67×53

Первые признаки драматизма, которым была отмечена зрелая живопись Караваджо, проявились в этой картине, написанной после его пребывания в больнице. Пробыв долгое время между жизнью и смертью, он потом нередко обращался к этому состоянию в своих полотнах.

Но пока тему бренности бытия молодой Караваджо обыграл с юмором: себя, еще не оправившегося от тяжелого недуга, что видно по бледной коже, зеленоватому оттенку лица, слабости руки, держащей гроздь винограда, он представил в образе Вакха. Греческий бог вина и веселья сидит в том самом наряде, в котором живописец изобразит его пару лет спустя на картине, находящейся ныне в галерее Уффици: белая накидка схвачена темным поясом, завязанным бантом. Но если Вакх на полотне из Уффици изображен здоровым, цветущим и призывно играет концом своего кушака, то этот слаб и не думает никого дразнить или веселить. На голове у него — наполовину увядший венок, сплетенный вовсе не из виноградных листьев, как положено. И это вообще не Вакх, а смертный, нарядившийся им.

Жизнь как она есть, с ее страданиями, слабостью человека и его попытками сохранить себя — вот тема, которая со временем стала ведущей в творчестве Караваджо. Настоящая драма развернулась тогда на его полотнах. Пока же он шутил над земной природой человека и тем самым пытался хоть немного возвыситься над ней.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) Святой Иероним. Около 1606. Холст, масло. 116×153

В этой картине, написанной Караваджо специально для Шипионе Боргезе, художник изобразил святого Иеронима за его учеными трудами.

Льющийся сквозь невидимое окно свет выхватывает из полумрака красное одеяние святого, его голову с крутым, выпуклым лбом мыслителя, книги, лежащий на столе череп. «Караваджо… приобретал с каждым днем все большую известность, — писал о нем биограф Джованни Пьетро Беллори, — главным образом благодаря колориту, — уже не мягкому и светлому, как раньше, а насыщенному, с сильными тенями, причем применял он часто много черного цвета, чтобы придать формам рельефность. И до того он увлекся этой манерой, что ни одной из своих фигур не выпускал более на солнце, но помещал их в закрытую комнату… используя луч света, вертикально падающий на основные части фигуры, оставляя все остальное в тени, дабы светотень давала резкий эффект. Тогдашние римские живописцы были в восторге от этого новшества, в особенности молодые…»

Святой Иероним, один из отцов церкви, переводчик Библии на латинский язык, погружен в чтение божественной Книги, на его челе — печать крайней сосредоточенности, в руке застыло перо. В то же время созданный художником образ напоминает и о жизни героя картины в пустыне, где он молился и каялся в грехах, о чем свидетельствует его одеяние отшельника. Череп, один из атрибутов Иеронима, иллюстрирует латинское изречение «memento mori» — «помни о смерти», но и символизирует победу человеческого духа над бренной плотью. Между этим символом и святым — развернутая Библия как путь, который надо пройти от жизни простого смертного к высотам духа. Вытянутая по горизонтали композиция, столь любимая художником, указывает на это длинное расстояние, но рука с пером сокращает его.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) Мадонна Палафреньери (Мадонна со змеей) 1605–1606. Холст, масло. 292×211

Изображение Богоматери с Христом и святой Анной Караваджо написал по заказу папских конюших (с итальянского «palafrenieri» — «конюхи») для главного алтаря церкви Сант-Анна вблизи собора Святого Петра в Риме. Второе наименование картина получила из-за того, что здесь изображена змея — символ зла, которую попирают Мария и Христос. В соборе работа мастера, чье искусство выходило за рамки канонов, находилась всего несколько дней. С Караваджо не раз случалось такое, что из-за недовольства церковнослужителей его произведения покидали стены храмов и оседали в частных собраниях. В данном случае картина оказалась в коллекции Шипионе Боргезе. Причина, по которой ее убрали из церкви, заключалась, скорее всего, в следующем: художник изобразил Анну, Марию и Христа с такой смелостью и таким реалистическим подходом к созданию образов, как если бы писал кого-нибудь из своих незнатных и небогатых современников.

«Он считает, что… ничего не может быть лучшего, чем следовать натуре, — писал о Караваджо зрелого периода его современник, нидерландский художник и историк искусства Карел ван Мандер. — Отсюда явствует, что он не делает ни одного мазка кистью без того, чтобы не изучать жизнь, которую он копирует и пишет». Но именно пристрастие к правде жизни, желание приблизить божественное к человеку и было тем новшеством Караваджо, которое всколыхнуло искусство европейских художников.

Впрочем, Караваджо великолепно умел «срежиссировать» задуманную им сцену как настоящий художник барокко, одним из зачинателей которого он был. И его манера «тенеброзо» (в переводе с итальянского — «мрачный, темный»), когда луч света прорезает темноту и освещает персонажей, усиливает момент театрализации изображенного.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) Давид с головой Голиафа 1609–1610. Холст, масло. 125×100

Мощный, несдержанный темперамент, который проявился в работах Караваджо, в жизни не раз мешал ему. «…На площади Кампо Марцио, — сообщал в 1606 следователь Римской курии по уголовным делам, — имела место серьезная ссора между четырьмя мужчинами с каждой стороны. Вожаком одной был Рануччо да Терни, который после долгой борьбы скончался; другой же стороной предводительствовал Микеланджело да Караваджо, живописец, хорошо известный в наши дни, который, как говорят, получил рану, но его местопребывание неизвестно. (…) Происшествие вызвала ссора по поводу 10 скуди, которые покойный выиграл у живописца». Караваджо был заочно приговорен к смертной казни и бежал в Неаполь, а затем на Мальту. Там ближе к концу жизни он написал картину, на которой изображен пастушок Давид с головой побежденного им великана Голиафа.

Из густой тьмы появляется юноша, который держит в руке отрубленную им голову. Считается, что лицо великана — это автопортрет художника. К подобному приему — поместить собственное изображение в драматический контекст — прибегнул тезка живописца, Микеланджело Буонарроти, создавая фреску «Страшный суд» в Сикстинской капелле: на содранной со святого Варфоломея коже, которую тот держит в руке, запечатлена голова художника.

Караваджо усилил ощущение горькой печали, которое исходит от его картины, тем, что необычно решил образ Давида: победитель сам выглядит поверженным, со страданием смотря на деяние рук своих.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) Святой Иоанн Креститель. Около 1610. Холст, масло. 152×125

Вероятно, эта работа Караваджо была одной из трех картин, которые он взял с собой, отправившись с Мальты в Рим в надежде получить после совершенного убийства помилование от папы римского Павла V. Художник намеревался подарить эти полотна его племяннику, кардиналу Шипионе Боргезе, чтобы тот ходатайствовал за провинившегося перед понтификом. В Вечный город живописец так и не вернулся, скончавшись по дороге, но оставшееся полотно свидетельствует о том душевном состоянии, в котором он пребывал в последние годы жизни.

Святой Иоанн Креститель, которого начиная с эпохи Возрождения часто изображали не зрелым мужчиной, а юношей, сидит погруженным в раздумья. Его облик исполнен печали, и этого ощущения не развеивают ни теплый свет, заливающий фигуру, ни красная драпировка. Караваджо начинал со светлых и счастливых по настроению полотен, потом писал полные страстей и острого драматизма работы и, наконец, пришел к проникнутым трагическим ощущением бытия картинам, которые он создавал на исходе своей короткой жизни. Творчество художника отразило его собственный жизненный путь.

Мадонна Палафреньери

Картина религиозной тематики «Мадонна с младенцем и святой Анной», известная также как «Мадонна Палафреньери», представляет собой одну из самых узнаваемых работ Микеланджело Меризи да Караваджо. Произведение относится к зрелому периоду творчества художника и было создано в 1605-1606 годах.

Историческая справка

Картина задумывалась для украшения алтарной части в капелле братства Палафреньери, расположенной в соборе Святого Петра (Basilica di San Pietro). Более того, в течение недолгого времени произведение художника выставлялось в Ватикане, в приходской церкви Санта-Анна-деи-Палафреньери. Однако вскоре заказчики отказались от картины, причиной, по всей видимости, послужило несоответствие образа Девы Марии традиционным церковным канонам.

Позже кардинал Шипионе (Сципионе) Боргезе выкупил творение мастера, и оно стало частью художественного собрания галереи Боргезе. Произведение Караваджо до сих пор входит в знаменитую коллекцию княжеского семейства, в которой также представлены пять других полотен живописца: «Юноша с корзиной фруктов», «Давид с головой Голиафа», «Больной Вакх», «Пишущий Святой Иероним», «Иоанн Креститель в пустыне».

Сохранились документы, свидетельствующие о судьбе картины «Мадонна Палафреньери». В частности, доподлинно известно, что 8 апреля 1606 года художник получил гонорар за свои труды. Этот факт позволяет с точностью установить, когда именно была закончена работа над картиной.

При этом, до сих пор остается непонятным, почему конгрегация Папской курии приняла решение отказаться от произведения Караваджо. По одной из версий представители духовенства посчитали, что в работе художника отсутствует должная благопристойность, что не позволяло выставлять ее на обозрение публики в таком священном месте, как храм.

Анализ произведения

Размер полотна – 292 Х 211 см. Картина была написана по заказу братства Палафреньери. Перед художником стояла задача осветить очень важную богословскую тему, при этом библейские образы в интерпретации Караваджо предстали чрезвычайно очеловеченными. Так, фигура святой Анны, традиционно являющейся олицетворением божественной благодати, изображена мастером несколько равнодушной и отстраненной.

Для создания образа Девы Марии позировала та же натурщица (куртизанка), что и в картине «Мадонна ди Лорето» (или «Мадонна пилигримов»), которую художник написал для украшения внутреннего убранства церкви Сант-Агостино в Риме.

Бесспорно, изображение Богородицы в виде обычной женщины, было крайне нетипичным для того времени, и, возможно, такая трактовка даже и в наши дни производит шокирующее впечатление на некоторых зрителей. Дева Мария, придерживая маленького Христа, пытается вместе с сыном растоптать змею, символизирующую зло и первородный грех. Святая Анна, мать Богородицы, к которой с большим почитанием относятся в христианском мире, выглядит морщинистой старухой, безучастно наблюдающей за происходящим. Головы героев увенчаны едва заметными нимбами, божественный свет которых падает на змею. И Мария, и Христос изображены босыми, Спаситель предстает совершенно обнаженным, его крайняя плоть не обрезана, что противоречит иудейской традиции. Все, что находится на заднем плане, по сути погружено в глубокую тень, лишь освещенные фигуры героев резко контрастируют с темно-мрачным фоном, из-за чего кажутся массивными.

Если прославление святой Анны задумывалось как основная идея произведения, становится непонятным, что именно в неприглядной, морщинистой и состарившейся женщине, а именно так Караваджо трактовал образ матери Богородицы, должно было восприниматься как черты культового изображения, призванного вызывать благоговейные чувства у зрителей. Джованни Пьетро Беллори, известный искусствовед и биограф итальянских художников XVII века, отмечал, что еще более шокирующим выглядит корсет, неприлично стягивающий и обнажающий грудь Девы Марии. При внимательном рассмотрении постановки фигуры маленького Христа, положении его ног, становится очевидным, что он, наравне с Богоматерью, попирает змея, что в метафорическом смысле уравнивает степень их могущества.

Секреты мастера

Благодаря недавно проведенным реставрационным работам были обнаружены неглубокие надрезы на поверхности холста, что считается отличительной особенностью картин Караваджо, своеобразным техническим приемом, который живописец использовал при создании своих произведений.

Выяснилось также, что первоначально нимб над головой Девы Марии находился на одном уровне с ореолом святой Анны, покровительницы и заступницы братства Палафреньери. Она традиционно изображалась рядом с Богородицей, в момент, когда та боролась со змеем, воплощением злых сил. Более того, в результате чистки картины, значительно увеличилась яркость цветовой палитры. Например, стало явственно видно, как шкура змеи отражает лучи света, падающие на нее сверху.

Автор: Караваджо

Caravaggio

Микеланджело Меризи да Караваджо, более известный как Караваджо (1571-1610), был итальянским художником, который считается одним из главных творцов в современной живописи. Его работы сочетают в себе реалистичное восприятие человеческого состояния, как физического, так и эмоционального, с драматическим использованием освещения, которое оказало огромное влияние на барочную живопись.

Скульптуры Дэмиена Херста покажут прямо в Галерее Боргезе

Работы из проекта «Сокровища c места крушения корабля „Невероятный“» представят рядом с шедеврами Тициана, Караваджо и Бернини

Дэмиен Херст. «Бюст коллекционера». Из проекта «Сокровища c места крушения корабля „Невероятный“». Фото: Rob Hunter

Британский художник Дэмиен Херст покажет свои эпические «затонувшие» работы рядом со знаковыми произведениями Караваджо, Тициана и Бернини из коллекции Галереи Боргезе в Риме. «Выставка объединяет современное искусство с искусством прошлого, побуждая нас пересмотреть их привычный статус и определить новые границы», — говорится в заявлении галереи.

«Сокровища c места крушения корабля „Невероятный“» впервые были представлены в 2017 году в Венеции. В сообщении The Art Newspaper об открытии выставки тогда отмечалось: «Так выглядит искусство, когда безудержные амбиции встречаются с безграничными финансовыми ресурсами».

Галерея Боргезе не сообщает подробности о работах, включенных в выставку. «Колоссальные и очень маленькие скульптуры — все из ценных материалов, таких как бронза, каррарский мрамор и великолепный малахит, — будут выставлены вместе с картинами из серии „Цветовое пространство“ (это серия полотен с цветными точками. — TANR) в постоянной коллекции», — говорится в заявлении музея. Представитель художника уточнил, что «не все работы предоставил Дэмиен, многие собраны из частных коллекций».

Джованни Лоренцо Бернини. «Бюст Урбана VIII Барберини». 1658. Фото: The Galleria Borghese

Галерея Боргезе, расположенная на вилле XVII века, хранит обширное собрание, основанное кардиналом Шипионе Боргезе (1577–1633), который заказал и приобрел более 100 работ, в том числе «Мадонну с Младенцем и святой Анной» («Мадонну со змеей») и «Больного Вакха» Караваджо, «Даму с единорогом» Рафаэля, «Любовь Небесную и Любовь Земную» Тициана, «Святую Сусанну» Рубенса, знаменитые скульптурные группы Джованни Лоренцо Бернини «Аполлон и Дафна» и «Похищение Прозерпины».

Когда проект «Сокровища c места крушения корабля „Невероятный“» был представлен в Венеции, он заполнил оба частных музея коллекционера Франсуа Пино — Палаццо Грасси и Пунта делла Догана. Согласно сценарию этого шоу, 190 работ, многие из которых являются скульптурами гигантского размера, были обнаружены на морском дне, где пролежали много веков. Большинство произведений было выпущено тиражом в пять экземпляров, включая два авторских; Дэмиен Херст тогда же сообщил BBC, что проект стоил от £50 млн до £100 млн. Выставка производила сильное впечатление, однако мнения критиков по поводу ее художественной ценности разделились. Daily Telegraph объявила выставку «впечатляющим, раздутым безумием чудовищем, которое может оказаться кораблекрушением для карьеры Херста», в то время как Guardian описала ее как «титаническое возвращение к форме», которое «оправдало» художника.

Мадонна со змеей караваджо

Изображение Богоматери с Христом и святой Анной Караваджо написал по заказу папских конюших (с итальянского «palafrenieri» – «конюхи») для главного алтаря церкви Сант-Анна вблизи собора Святого Петра в Риме. Второе наименование картина получила из-за того, что здесь изображена змея – символ зла, которую попирают Мария и Христос.

В соборе работа мастера, чье искусство выходило за рамки канонов, находилась всего несколько дней. С Караваджо не раз случалось такое, что из-за недовольства церковнослужителей его произведения покидали стены храмов и оседали в частных собраниях. В данном случае картина оказалась в коллекции Шипионе Боргезе. Причина, по которой ее убрали из церкви, заключалась, скорее всего, в следующем: художник изобразил Анну, Марию и Христа с такой смелостью и таким реалистическим подходом к созданию образов, как если бы писал кого-нибудь из своих незнатных и небогатых современников.

«Он считает, что. ничего не может быть лучшего, чем следовать натуре, – писал о Караваджо зрелого периода его современник, нидерландский художник и историк искусства Карел ван Мандер. – Отсюда явствует, что он не делает ни одного мазка кистью без того, чтобы не изучать жизнь, которую он копирует и пишет». Но именно пристрастие к правде жизни, желание приблизить божественное к человеку и было тем новшеством Караваджо, которое всколыхнуло искусство европейских художников.

Впрочем, Караваджо великолепно умел «срежиссировать» задуманную им сцену как настоящий художник барокко, одним из зачинателей которого он был. И его манера «тенеброзо» (в переводе с итальянского – «мрачный, темный»), когда луч света прорезает темноту и освещает персонажей, усиливает момент театрализации изображенного.

1606. Галерея Боргезе, Рим.

Michelangelo Merisi da Caravaggio. Караваджо, все картины ►

Живопись эпохи барокко
Картина итальянского живописца Караваджо «Мадонна со змеей», в Италии более известна как «Мадонна Палафреньери». Размер картины 292 x 211 см, холст, масло. В своей картине художник изобразил известную апокрифическую историю о змее, Пресвятой Богоматери и Божьем сыне. В поздних работах Караваджо усиливается драматизм мировосприятия и вместе с тем проявляется еще большее тяготение к монументализации. Единство и напряженность действия, настроения, законченность и неповторимость композиционных построений, поразительная мощь светотеневой моделировки сообщают им характер реальных сцен, полных больших чувств и мыслей. Независимость и свободомыслие Караваджо от предшествующей художественной традиции, конечно, несколько преувеличивалась его современниками, но новизна живописных решений и оригинальность творчества художника действительно были достаточно революционными в изобразительном искусстве и культурной жизни Рима на рубеже 16 и 17 столетий.

1. Юноша с корзиной фруктов, 1593

Написано в Мастерской Чезари Д’Арпино с натуры. Модель – Марио Минитти (первое его изображение).

«Юноша с корзиной фруктов» — это удивительный сплав портрета и натюрморта, воспринимаемый как единое целое.
В отличие от работавших в Италии фламандцев, которые прославились своими натюрмортами, Караваджо отказался от богемского хрусталя, ваз из муранского стекла, перламутровых раковин и прочих атрибутов роскоши, избрав самые обыденные предметы, сопровождающие человека в его повседневной жизни.

Эту картину можно рассматривать как вызов, смело брошенный молодым художником официальному искусству, идеологи которого исключали всякую возможность изображения жизни городских низов в их грубой неприглядности, что, по их мнению, недостойно внимания любого уважающего себя мастера, призванного создавать произведения, пробуждающие добрые чувства и ласкающие взор красотой. Но у Караваджо на сей счёт были свои соображения. Он ещё не раз изобразит своего друга, красавца Марио, пытаясь разгадать тайну его внутреннего мира. В непроницаемом взгляде юноши угадывается удивительное душевное спокойствие, которого сам Караваджо был лишён, а потому предпринимал тщетные попытки проникнуть в этот неведомый ему мир.

2. Больной Вакх, 1594
Уже на первой после выздоровления значительной работе Караваджо видно, как из мрака вырастает одинокая фигура. Небольшая картина, написанная с натуры, получила название «Больной Вакх».
Большинство искусствоведов считают её автопортретом художника. Здесь Караваджо впервые использовал зеркало, чтобы точнее передать натуру в своём одержимом преклонении перед правдой жизни.

«Больной Вакх», как и «Юноша с корзиной фруктов» — это тот же сплав портрета и натюрморта, но с совершенно иным мировосприятием. Если там пленяют полнота и радость жизни, то здесь перед зрителем предстает подавленность духа человека, оказавшегося в ловушке теней и полутеней. Новым является придание контрастности светотени, чем достигается большая объемность изображения. Все формы как самой фигуры, так и предметов предельно упрощены в стремлении выявить в них наиболее существенное.

Воображаемый Вакх показан больным, из-за чего бедняга непривычно трезв и грустен.
Сидя вполоборота, Вакх облокотился на ручку стула, держа обеими руками гроздь винограда со столь тщательно выписанными ягодами, несколько подпорченными плесенью, что их легко можно пересчитать — ровно двадцать три.

На их фоне выделяется большой палец правой руки с ногтем в траурном обрамлении. На краю узкого стола лежат другая гроздь винограда, уже тёмного, и два недозрелых персика. Один их вид вызывает во рту оскомину. На всех изображённых на картине дарах земли, как и на самом Вакхе, лежит печать хвори, источаемой изнутри червём. Каменная столешница, отполированная временем, перед съёжившимся от озноба Вакхом скорее напоминает стол для покойников в холодной мертвецкой, да и от самой картины исходит сумрачный таинственный свет, создавая безрадостную атмосферу.
Ничего подобного в живописи до тех пор не было. Гениальность картины в простоте её исполнения, а это самое трудное в искусстве.

Читайте также  Шоппинг в триесте

3. Натюрморт с цветами и фруктами, 1601

4. Пишущий Св. Иероним, 1605-1606

Традиционно Иероним изображался учёным мужем, воплощающим собой не только аскезу, но и богатую культуру гуманизма. У Караваджо он выглядит старым отшельником, чьё иссушенное годами и частым говением нагое тело слегка прикрыто пурпурной кардинальской мантией, поскольку картина предназначалась для Шипионе Боргезе, недавно возведённого в сан, которого он так долго домогался. Протянув руку с пером к чернильнице, заставленной книгами, старец задумался над раскрытым фолиантом о бренности всего земного, напоминанием чему служит череп.

В картине как бы словами Екклесиаста сказано, что все наши деяния есть суета сует и что бессмертен только дух.

5. Мадонна со змеей, 1606

Это последняя написанная в Риме работа. Модель – Лена с ребенком.

Луч света слева скользит по трём фигурам, выхваченным из тьмы заднего плана. Кроме лёгких нимбов над головами Девы Марии и её матери Анны картина лишена признаков святости и представляет собой чуть ли не жанровую сцену. Ребёнок хочет вырваться из рук матери при виде ползущей по полу змеи, этого символа первородного греха. Обеспокоенная за сына Дева Мария старается остановить ползущую тварь, наступив ей босой ногой на горло и заставив злобно шипеть и извиваться. По поводу этого факта между теологами в 1569 году разгорелась целая дискуссия, пока папа Пий V не установил, что ползущего гада должны убивать оба — мать и сын. Вот почему на картине Караваджо ребёнок, словно забавы ради, прижимает ножку к ноге матери.

В отличие от Анны, словно вышедшей из греческой трагедии, Мария преисполнена материнской любви. В её лёгкой фигуре отразились сама женственность и несказанное изящество. Словно предчувствуя, что это последняя его работа с Леной, Караваджо вложил в неё ту любовь, что ощущается и в изгибе шеи, и в наклоне милой головки. Выразительна фигурка подросшего ребёнка Христа, на лице которого смешаны чувства любопытства и испуга перед извивающимся на полу шипящим гадом.

Известно, что 14 апреля 1606 года картина была установлена в приделе Михаила Архангела собора Святого Петра, куда тут же устремились друзья автора и ценители искусства. Караваджо лично руководил установкой полотна над алтарём. Он был несказанно горд, видя, как хорошо его картины вписываются в интерьер величественного храма, где чуть подальше стоит божественная «Пьета» Микеланджело. Можно ли этому поверить? И Караваджо по нескольку раз подходил к картине и отходил от неё, чтобы лишний раз удостовериться, как она смотрится издали по соседству с беломраморным совершенством гениального ваятеля. Это были незабываемые минуты счастья, выпавшие на его долю. Но уже 16 апреля картину осмотрела кучка кардиналов из объединения папских конюших и вынесли свой вердикт: non expedit — «не пройдёт». Не подумав даже оповестить об этом автора, кардиналы распорядились вынести алтарный образ Мадонны Палафреньери из собора.

Особенно возмутило кардиналов, что художник осмелился в образе Девы Марии, как им кто-то доложил, изобразить свою любовницу, а фигурка ребёнка Христа и вовсе ввела их в смущение «плебейским изображением плоти» с явными признаками эротики. Святая Анна была сочтена беззубой мегерой. Решено было немедленно избавиться от богохульной картины, с которой греха не оберёшься, попади она на глаза инквизиции. К счастью, ею живо заинтересовался всеядный кардинал Боргезе.

6. Давид с головой Голиафа, 1606

Бегство из Рима.
Для юного Давида позировал Чекко.
На картине изображён только что совершённый юношей подвиг. На тёмном фоне луч света слева обрисовывает вполоборота стоящую фигуру с полуобнажённым торсом и левую руку героя. Крепко сжав выпяченный вперёд кулак, он держит за волосы отрубленную голову поверженного Голиафа. Но в отличие от прежнего Давида, написанного десятью годами ранее, нынешний повзрослевший герой не источает радость победы при виде поверженного врага — его глаза полны грусти.

7. Св. Иоанн Креститель, 1610

Не в силах сразу отойти от темы Крестителя — он продолжал считать себя кавалером братства иоаннитов, чем вызывал законный гнев в стане мальтийских рыцарей, считавших такое поведение дерзким вызовом, равно как и его побег с острова, — Караваджо пишет ещё две картины, посвящённые юному Иоанну.
Это дань молодости, когда художника привлекали вступающие в жизнь юнцы, которых на пути ждут суровые испытания. Позировал ему кто-то из дворцовой челяди.
Но как же отличается этот подросток с задумчивым выражением лица от озорного Чекко на первой картине, написанной десять лет назад! Теперешний «Иоанн Креститель» сидит с посохом в руке на камне, прикрытом красной накидкой, которая присутствует на всех шести картинах с юным Предтечей как символ его будущей кровавой казни.

Караваджо – художник новатор

художник караваджо

Микеланджело Меризи по прозванию Караваджо (Караваджо, 1573—Порто Эрколе, 1610) — один из крупнейших художников в итальянской и европейской живописи, создатель так называемого «караваджевского люминизма», что характеризует его как новатора в понимании роли света.

Годы формирования

Караваджо учился с 1584 г. в Милане в мастерской художника бергамасской школы Симоне Петерцано (известен с 1573 по 1596), а также на произведениях художников XVI в. школ Бергамо и Бреши (Лоренцо Лотто, Савольдо, Моретто из Бреши), от которых перенял внимание к событиям реальным, повседневным и религиозности искренней, лишенной напыщенности. От периода, последовавшего за годами учения, сохранились несколько произведений: Вакх (Галерея Уффици, Флоренция), Мальчик, укушенный ящерицей (собрание Р. Лонги, Флоренция), Гадалка (Лувр, Париж; Капитолийские музеи, Рим),и Магдалина (Галерея Боргезе, Рим), Отдых на пути в Египет и Магдалина (Галерея Боргезе, Рим).

караваджо отдых на пути в египет

Отдых на пути в Египет,1597г

Вакх - картина караваджо

караваджо мальчик укушенный ящерицей

Мальчик, укушенный ящерицей, 1594—1596

Переезд в Рим

Около 1593 г. Караваджо перебрался в Рим, где и достиг вершин зрелости как художник. Он работал в открытой полемике с маньеристическими вкусами, господствовавшими в официальном искусстве. В первых образчиках повседневного реализма, как вторгающихся даже в сферу мифологического, — Больной Вакх (Галерея Боргезе, Рим), более поздняя картина Шулеры (Галерея Шьярра, Рим) и великолепный натюрморт Корзина с фруктами (Пинакотека Амброзиана, Милан), открывающий новую страницу в истории этого жанра, за ними последовали более сложные композиции, подводившие к циклу в капелле Контарини римской церкви Сан-Луиджи деи Франчези.

В 1595 г. был заключен контракт на монументальные полотна для этой церкви. После их написания (Святой Матфей и ангел, Призвание и Мученичество Святого Матфея) разразился скандал по причине дерзко реалистической интерпретации событий священной истории. Автор трактовал их драматичным языком резкой светотени, и это стало основой «караваджевского люминизма», сутью которого и была выразительная и структурирующая роль контраста «свет-тень».

караваджо больной вакх, около 1593-1594г

Больной Вакх, около 1593-1594

караваджо натюрморт корзина с фруктами

Натюрморт корзина с фруктами, 1596 г.

караваджо матфей и ангел

Святой Матфей и ангел, 1602 г.

Зрелое творчество

Мощным и лаконичным предстает построение картин, написанных в 1600-1601 гг. для Санта-Мария дель Пополо: Распятие Святого Петра и Обращение Савла являют собой вершину творческой зрелости Караваджо. Последние произведения римского периода — Мадонна Лорето (Сант- Агостино, Рим), Мадонна со змеей (1603—1605, Галерея Боргезе, Рим), Ужин в Эммаусе (1605,Национальная галерея, Лондон) и Смерть Марии (1605—1606, Лувр, Париж; была приобретена П.П. Рубенсом для герцога Мантуанского) — резко критиковались за жесткий реализм, особенно последняя работа, о которой судачили, что Караваджо писал с натуры труп проститутки, выловленный в Тибре. Художник выступал опровергателем ортодоксальной религиозности, и его часто порицали за отсутствие во многих картинах привлекательных мотивов и тем более за размещение священных персонажей в обстановке слишком скромной, зачастую с грязными руками и босыми ступнями. Вовлеченный в 1606 г. в драку со смертельным исходом — последнюю в череде эпизодов насилия, где он тоже был действующим лицом, — Караваджо был вынужден бежать в Неаполь. Написанные там картины — Мадонна с четками (1606-1607, Музей истории искусства, Вена), Семь дел Милосердия (1607, Пио Монте делла Мизерикордия, Неаполь) и Бичевание — показывают переход художника к локализации источника света для акцента сути происходящего.

Его бегство не закончилось Неаполем: потом последовали Мальта и Сицилия (1608). Как свидетельствуют последние работы Караваджо — Погребение Святой Лючии (1608, написано в Сиракузах для одноименной церкви), Воскрешение Лазаря, — его вдохновение приобретало все более трагическую окраску.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector