Музы картины скульптуры

Музы картины скульптуры

«Музы наших сердец»: мужчины поздравили лэтишниц с наступившей Весной

«Музы наших сердец»: мужчины поздравили лэтишниц с наступившей Весной

Накануне Международного женского дня 8 марта в актовом зале СПбГЭТУ «ЛЭТИ» состоялся праздничный концерт.

Те, кто вдохновляет мужчин на великие свершения и победы, кто поддерживает и помогает творить и совершать научные открытия, кому посвящают книги и фильмы, картины и скульптуры, музыку и песни, – собрались в актовом зале СПбГЭТУ «ЛЭТИ» на праздничный концерт, посвященный Международному женскому дню. Студентки, преподаватели, сотрудницы – именно им в этот весенний день представители сильной половины университета пели песни, читали стихи и признавались в любви.

«Сегодня – годовщина того дня, когда я Вас впервые увидел; этот день в моей жизни. Чем более я думаю, тем сильнее убеждаюсь, что моё существование не может быть отделено от Вашего: я создан для того, чтобы любить Вас и следовать за Вами», – писал в своем письме Наталье Гончаровой влюбленный Александр Сергеевич Пушкин. Сегодня эти и другие восторженные строки прозвучали из уст студентов для всех студенток, преподавателей и сотрудниц вуза в театральной зарисовке «Письма о любви».

Теплые слова поздравлений и пожеланий адресовал женщинам ректор СПбГЭТУ «ЛЭТИ» Виктор Николаевич Шелудько. Он отметил, что сегодня женщины успешно осваивают самые различные профессии, занимают руководящие должности в государственных, управленческих и других структурах. И сотрудницы ЛЭТИ не являются исключением.

«Многие девушки, женщины нашего университета наравне с мужчинами осваивают технические специальности, с успехом защищают диссертации, достойно представляют интересы вуза на международных конференциях и конкурсах, руководят факультетами, заведуют кафедрами, работают в ректорате. Я желаю всем вам счастья, любви, чтобы вы с удовольствием спешили на работу в родной вуз и с радостью возвращались домой к своим родным и близким!».

Ректор СПбГЭТУ «ЛЭТИ» Виктор Николаевич Шелудько

Праздничный концерт для милых дам подготовили профсоюз работников СПбГЭТУ «ЛЭТИ» и Творческий центр вуза. Как отметил в своем выступлении председатель профкома Владимир Геннадьевич Павловских, Международный женский день для всех мужчин вуза – один из главных праздников. Он зачитал поздравление с предстоящим праздником 8 марта от председателя территориальной организации Санкт-Петербурга и Ленинградской области профсоюза работников народного образования и науки РФ Владимира Николаевича Кузнецова.

Музы картины скульптуры

В данном разделе интернет магазина представлены картины, скульптуры и другие предметы искусства на тему «Муза», выставленные продавцами (художниками, скульпторами и искусствоведами).

Я философию постиг.

Муза

Вавилонская муза

В таблице ниже приведена статистика, сколько всего картин, скульптур и других предметов искусств тематики «Муза» представлено в интернет-магазине, их стоимость, наличие и параметры, а также имена продавцов с наивысшим рейтингом на сайте.

Картины в продаже и другие предметы:4
Картины на заказ и другие предметы:4
Можно купить или заказать по цене:от 6 — до 145 руб.
Материалы:холст, бумага, дерево
Техники исполнения:масло, пастель, резьба
Высота:от 45 — до 70 см
Ширина:от 12 — до 84 см
Продавцы:Болкисева Полина, Cукиасян Грант, Триль Георгий, Сулимов Александр

Как купить или заказать работы тематики «Муза» в интернет-магазине:

Как совершить покупку на сайте:

  1. Найдите и выберите картины, скульптуры или другие предметы искусства в каталоге интернет-магазина.
  2. Оформите заказ и отправьте запрос продавцу.
  3. Дождитесь подтверждения принятия заказа от продавца.
  4. Оплатите покупку и получите вашу посылку.

Если вам не удалось найти подходящей работы у художника, скульптора или искусствоведа из вашего города/страны, то вы можете сделать заказ у продавца из другого города или страны, договорившись с ним о курьерской или почтовой доставке.

Для ознакомления с более подробной инструкцией, со скриншотами и видео, перейдите на страницу — как купить картину. Таким образом, вы можете приобрести предметы искусства на тему «Муза».

Варианты заказов в нашем интернет магазине:

Для предметов искусств на тему «Муза», готовых к продаже, вы можете использовать на выбор:

  • Быстрый заказ. С минимальным заполнением данных, для экономии вашего времени.
  • Простой заказ. Подходит, если продавец находится в вашем городе. В данном случае оплата покупки производиться напрямую продавцу.
  • Предложить свою цену. Если вы хотите поторговаться с продавцом.
  • Безопасная сделка. Если вы хотите поторговаться с продавцом.

Как заказать выполнение работы или услуги на заказ:

Если подходящего вам варианта работы на тему «Муза» не нашлось ни у одного продавца, то вы можете заказать картину, скульптуру, какой-либо другой предмет искусства или услуги мастера в специальном разделе сайта «картины на заказ». Краткий порядок ваших действий:

  1. Разместите заказ в системе.
  2. Получите отклики от исполнителей.
  3. Оцените работы откликнувшихся мастеров, сравните их предложения, выберите подходящего и заключите с ним сделку.

Таким образом, вы можете оформить запрос работы у мастера, например заказать портрет по фотографии или заказать картину маслом на холсте.

Варианты оплаты и доставки

В случае, если вы и продавец находитесь в разных городах или странах, и вам необходима доставка, то вы можете оговорить условия посылки картин или скульптур непосредственно с продавцом.

При выборе варианта обычного заказа, условия и способы оплаты – вы оговариваете индивидуально с продавцом напрямую. Если вы воспользуетесь нашей услугой «Безопасная сделка», то вам будут доступны все способы оплаты, перечисленные на странице Оплата и доставка.

Музей скульптуры С.Т.Коненкова

Несколько позже коллекция произведений скульптора пополнилась работами, переданными из Министерства культуры РСФСР и СССР, из ГТГ, Волгоградского художественного музея, а также из музеев Тюмени, Самары, Твери, Краснодара, частных собраний.

Сейчас собрание насчитывает свыше 90 уникальных работ, среди которых особым вниманием и любовью посетителей пользуются знаменитые сказочные скульптуры. Тема сказки, создание фантастических образов, отмеченные национальным своеобразием – одна из любимейших тем творчества С.Т.Коненкова. Неразрывная связь с родной природой, преданиями вдохновляли мастера на создание «Совы-ведьмы», «Птицы Сирин», «Пана, играющего на дуде», «Наяды». Для их создания мастер использовал свой любимый материал – дерево, как никто он чувствовал и знал его богатейшие пластические возможности. Близка к сказочным скульптурам и мебель, сделанная из пней, коряг, ветвей деревьев. Каждая из скульптур Коненкова – часть жизни мастера, его представление о красоте мира и людей.

Многие произведения возникли как раздумья о природе творчества и смысле искусства. Это портреты гениев русской литературы: Л.Н. Толстого, В.В. Маяковского, А.М. Горького, Т.Г. Шевченко. Особой одухотворенностью, трагичностью проникнуты композиции, посвященные А.С. Пушкину и Ф.М. Достоевскому.

Тема музыки возникала на протяжении всего творчества скульптура. Музыка будила фантазию С.Т. Коненкова. Она вдохновила мастера на создание портретов выдающихся композиторов и исполнителей, таких как портрет М.П. Мусоргского, Д.Д. Шостаковича, А.Б. Гольденвейзера, Н.В. Плевицкой.

Восхищение человеком труда проходит через все творчество скульптора. «Портрет И.В. Зуева», «Дядя Григорий», «Текстильщица» демонстрируют удивительную свободу мастера в обращении к скульптурным материалам.

Самые трогательные и трепетные портреты мастера посвящены детям. «Марфинька», «Ниночка», «Леня» являются настоящим воплощением непосредственной радости, теплоты.

Трудно выделить из почти девяноста скульптур какие-то особенные, вероятно, это и не нужно. Ведь каждая работа несет свой заряд, создает свою неповторимую – коненковскую мелодию.

Сергей Тимофеевич Коненков (1874-1971) был награжден высочайшими наградами своей Родины. Он – народный художник СССР и РСФСР, лауреат Ленинской и государственной премий, Действительный член Академии художеств России и Советского Союза, Герой Социалистического труда. Его произведения, выполненные в разных материалах – дереве, мраморе, бронзе, – хранятся в самых крупных музеях России, ГТГ, ГРМ и за рубежом, а также и в частных собраниях мира. Его творчество вызывает постоянный пристальный интерес, каждое новое поколение зрителей открывает в произведениях Коненкова новые аспекты. Неизменным остается только одно: гимн красоте, свободе, разуму и Родине.

«Бунт против природы: женщина – гений»: 8 великих художниц с выставки «Музы Монпарнаса»

«Музы Монпарнаса» – выставка в ГМИИ им. А.С. Пушкина, посвященная художницам, работавшим в Париже начала ХХ века. Тогда мир искусства полностью принадлежал мужчинам, и дамские занятия живописью и скульптурой считались чудачеством – к ним никто не относился серьезно. Однако в ту эпохи жили великие женщины, прорвавшие оборону гендерных стереотипов и занявшие место наравне с мужчинами или даже выше. Специально для DEL`ARTE Magazine Александра Ерошенко рассказывает истории восьми великих художниц, чьи работы можно увидеть на выставке в Москве.

Монпарнас в Париже в начале ХХ века – единственное место, где женщины могли обучаться искусству. О действительно профессиональном образовании речи не шло: «слабому полу» можно было посещать занятия только в некоторых частных мастерских и академиях. Несмотря на это, художницы со всего мира стремились на Монпарнас, чтобы стать частью парижской богемы.

Александра Экстер. Композиция. 1914. Источник фото: авторское

В первом зале выставки «Музы Монпарнаса» собраны работы Любови Поповой и Александры Экстер , показывающие, насколько многообразными были художественные искания в тот период; Пабло Пикассо и Макса Нордау , посвященные другой ипостаси женщины в искусстве – натурщице и музе художника.

Пабло Пикассо. Три женщины. 1907-1908. Источник фото: авторское

Женская скульптура

В отдельном зале представлены работы женщин-скульпторов: Анны Голубкиной, Камиллы Клодель, Веры Мухиной. Именно эти женщины доказали, что физически сложный труд скульптора может покориться «слабому полу».

Анна Голубкина – девушка из русской глубинки, решившая сначала поехать в Москву, чтобы поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а потом на деньги меценатов – в Париж. Она не знала иностранных языков, но обладала невероятным стремлением добиться успеха. Приехав на Монпарнас, начала посещать занятия в Академии Коларосси, но была разочарована: знаний в женских классах давали несравнимо меньше. Тогда она начинает работать в собственной мастерской, консультируясь у Огюста Родена, который в то время был признанным гением скульптуры.

Голубкину в тот период волнует тема возрастных изменений женщины, в особенности старость. Именно там она создает скульптурные этюды и маски женщин в возрасте, которые представлены на выставке в Москве.

Камилла Клодель. Вальс. 1900. Источник фото: авторское

Имя Камиллы Клодель находится в тени Огюста Родена – она была его ученицей и возлюбленной. Однако в своих дневниках она писала о том, что Роден крадет у нее творческие идеи. Эта навязчивая мысль довела ее до сумасшествия: в 1905 году Клодель получает официальный диагноз «шизофрения» и последние 40 лет жизни проводит в сумасшедшем доме.

В приступе помешательства она уничтожила многие свои скульптуры, поэтому особенно значимо, что московскому музею удалось договориться с наследниками Клодель и привезти работы, хранящиеся в семейной коллекции. Именно таким образом на выставку попала скульптура «Вальс», демонстрирующая взаимовлияние художественных методов Клодель и Родена. Эта скульптура – зримо воплощенное размышление о роли женщины в отношениях: схваченная сильными руками мужчины, она безропотно следует за ним, растворяясь в собственных чувствах и превращаясь в потоки воды.

Вера Мухина. Революция. 1919. Источник фото: авторское

Вера Мухина , автор хрестоматийной скульптуры «Рабочий и колхозница» начинала свой творческий путь в Париже, и тоже в Академии Коларосси. Именно там она находит свой уникальный скульптурный язык грубых лапидарных форм, которые помогут ей отразить революционный дух в пластических искусствах.

Новая живопись женщин

Салон женщин художниц и скульпторов был основан в Париже еще в 1881 году, но самостоятельное значение в мире искусства он приобретает в период с 1900-х по 1930-е.

Тамара Лемпицкая. Женщина в черном платье. 1923. Источник фото: авторское

Тамара Лемпицкая – одна из ярких представительниц нового салона. Она стала первой художницей, которая вела активную светскую жизнь в «ревущие 20-е». Известность в мире парижской богемы дама завоевала смелым гламурным обликом и бесконечными романами как с мужчинами, так и с женщинами.

На полотне «Женщина в черном платье» художница изображает идеал красоты эпохи ар-деко – грубоватые линии и мужеподобная фигура в сочетании с безукоризненным вкусом. Многие современники вспоминают Лемпицкую как страстную натуру, о чем косвенно может сказать выбранное ею цветовое сочетание: красное и черное.

Жаклин Марваль. Три грации. 1905. Источник фото: авторское

Жаклин Марваль жила с живописцем Жюлем Фландреном, их называли «вечными влюбленными Монпарнаса». При жизни она не стремилась участвовать в женских выставках и бороться за равноправие. Но после ее смерти в 1932 году работы Марваль выставляет Салон современных женщин-художниц (FAM).

В ее работах символизм сочетается с импрессионизмом, как в полотне «Три грации». Невинность, Красота и Любовь – три ипостаси женщины, делающие ее совершенством природы, – изображены художницей далекими от «идеала». Понятно, почему картины Марваль стали трактовать как феминистические, – она изображает реальных женщин со всеми особенностями фигуры, что является сегодня иллюстрацией идеи бодипозитивного движения.

Ромейн Брукс. Женщина с цветами. Весна. 1912. Источник фото: авторское

Ромейн Брукс – французская художница американского происхождения, не принявшая новые художественные течения. Всю жизнь она работала в эстетике символизма, как в полотне «Женщина с цветами. Весна». Аллегория Весны приобретает мистический оттенок из-за нехарактерного темного цвета волос и темной накидки.

Художница предпочитает работать крупными локальными пятнами: зеленый, черный и жемчужно-серый. Ей была свойственна любовь к монохромным гаммам, и с Брукс часто советовались как с дизайнером интерьеров, хотя ей эта роль совсем не нравилась.

Новые направления

Уникальный художественный путь сложился у Сони Терк-Делоне . Девушка приехала из Одессы и вошла в артистический круг Монпарнаса через знакомство с немецким арт-дилером Вильгельмом Уде.

Соня Делоне. Эскизы для ткани Источник фото: авторское

Вместе с супругом Робером Делоне они создали симультанизм – направление искусства, построенное на пульсации цветовых контрастов. Эти находки отразились в серии орнаментов для ткани. Потом Соня Терк-Делоне создаст собственное ателье, где эстетика авангарда найдет свое воплощение в предметах одежды и интерьера.

Соня Делоне. Эскизы для ткани Источник фото: авторское

Мари Васильефф (Мария Васильева) – художница русского происхождения. Она приехала в Париж, получив стипендию на обучение, и жила в одном пансионе с Соней Терк-Делоне. Мари училась в Академии Матисса, а в 1911 году создала собственную Русскую академию. Учебное заведение сохраняло свой авторитет и в 1920-е годы. Главным для нее направлением становится прикладное искусство: она создала настольные лампы в эстетике ар-деко, небольших кукол из подручных материалов и архитектурные макеты.

Макет мастерской Марии Васильевой на ул. дю Мэн, 21, где она работала с 1912-го по 1918 год. Источник фото: авторское

При этом Мари Васильефф занимается и станковой живописью, вступая в диалог с великими мастерами, как в картине «Прощание с художником. Пьета». Она сравнивает художника со Спасителем, потому что в начале ХХ-го века люди искусства часто вели полунищенское существование, и это было абсолютной жертвой, – собственная жизнь приносилась на алтарь великой цели.

Мария Васильева. Прощание с художником. Пьета. 1920-е. Источник фото: авторское

На Монпарнасе сформировалось уникальное художественное общество, где собирались поэты, музыканты, театральные деятели и художники. В этой атмосфере свободы и равенства и утверждали свое положение женщины. Гийом Аполлинер очень точно охарактеризовал этот период: « Женское искусство стало великим искусством, и его уже не спутаешь с мужским ».

Ищите женщину: В Пушкинском музее представили «Муз Монпарнаса»

Новая выставка дает почувствовать себя немножко Хемингуэем образца 1956 года

Выставка 'Музы Монпарнаса' в ГМИИ имени А.С. Пушкина продолжает серию проектов музея, посвященных парижской школе. / : Константин Завражин/РГВыставка 'Музы Монпарнаса' в ГМИИ имени А.С. Пушкина продолжает серию проектов музея, посвященных парижской школе. / : Константин Завражин/РГ

Текст: Жанна Васильева/РГ

В камерных залах Галереи искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков встретились редчайшие альбомные рисунки Надежды Удальцовой времен учебы в Париже, бронзовая скульптура вальсирующих влюбленных Камиллы Клодель, акварельный портрет Эйзенштейна, нарисованный Кики и вошедший в ее книгу воспоминаний (с предисловием — на минутку! — Хемингуэя) и послевоенные рисунки Доры Маар, впервые увидевшие свет на посмертной распродаже ее наследия…

Но не только огромный пласт нового материала из французских и российских музеев и частных собраний делает эту выставку ярким событием. Успех художниц, которые обязаны своим образованием, становлением, карьере Монпарнасу, на выставке напрямую связывается с развитием частных академий живописи и скульптуры, галерей современного искусства, созданием художественных мастерских, процветанием индустрии моды и мира мегаполиса. Иначе говоря, в отличие от знаменитого проекта «Амазонки авангарда», в фокусе внимания нынешней выставки не только творчество легендарных художниц первой половины ХХ века, но и социальный контекст, атмосфера свободы, способствующие расцвету ярких индивидуальностей, успешной карьере художниц.

Шерше ля FAM

Впрочем, речь не только о том, что Париж дал художницам новые возможности, но и о вкладе, который художницы внесли в развитие художественной жизни Парижа. Собственно, этот вклад был очевиден уже в 1937 году, когда в столице Франции открылась большая выставка «Художницы Европы». К тому времени и картины Жаклин Марваль (их приметил еще Амбруаз Воллар одновременно с работами Пикассо), и полотна американки Ромен Брукс, в которых символизм и декоративность напоминали прерафаэлитов, но с сильной меланхолической нотой, и изломанная пластика светских красавиц на портретах кисти Тамары Лемпицкой пользовались огромным успехом. Доказывать, что «женское искусство» значимо, было все равно что ломиться в открытую дверь. Причем распахнутую лет так пятьдесят назад.

Первый Салон женщин-скульпторов и художниц был организован в Париже в 1881 году, и именно он проложил дорогу Салону независимых, который возник три года спустя. Иначе говоря, именно художницы, для которых участие в созданном ими Салоне расширяло возможности заработка вне зависимости от снобизма французских академиков, обнаружили, что они должны сами торить дорогу в будущее, доверяя себе. Пятнадцать лет спустя, в 1896 году, женские классы открылись в Школе изящных искусств. С 1903 года художницы могли претендовать на Римскую премию — основную государственную творческую стипендию. В 1904-м был образован Синдикат женщин-художниц и скульпторов, главной задачей которого стала защита трудовых прав художниц. К 1930 году было создано объединение FAM — Салон современных женщин-художниц. Фактически это был уже клуб элиты: Салон собрал звезд парижской арт-сцены, устраивал посмертные выставки Камиллы Клодель, Марии Бланшар, Жаклин Марваль…

Вход через частную Академию

Неудивительно, что на рубеже XIX-ХХ веков Париж манил не только художников, но и художниц из самых разных социальных слоев и стран. Он давал все для старта: образование, музеи, профессиональные возможности, интернациональную среду, где никто не чувствует себя чужаком, свободу, возможность заработка, а значит — независимость. Причем ехали не только девушки из обеспеченных семей. Поразительна история Анны Голубкиной, которую привела из Зарайска в Париж страстная жажда учиться мастерству скульптора. Без знания французского языка, с минимумом средств она приезжает во Францию трижды. Во второй приезд после консультаций у Огюста Родена, который в отличие от московских и петербургских мэтров не пытался «пригладить» ее стиль, Голубкина решилась предложить свои четыре работы для участия в Салоне Марсова поля весной 1889 года. Взяли три. Она уехала в Россию, и лишь дома узнала, что ее работы отмечены бронзовой медалью Академии литературы и искусства Прованса.

Париж способствовал раскрытию талантов

Хана Орлова, например, отправилась в 1910 году в Париж из Палестины, рассчитывая на свое умение шить. Младшая девочка в многодетной еврейской семье, бежавшей от погромов на Украине в Палестину, она перебирается в Париж, мечтая о карьере модистки. Все ее достояние — любовь к шитью, закаленный характер, несколько монет, зашитых в пояс, и адрес хозяйки меблированных комнат. Ее взяли портнихой в модный дом Жанны Пакен, а вечерами она решает учиться. Занимается в Академии Марии Васильевой, Академии Коларосси, а параллельно сдает экзамены в Высшую национальную школу декоративного искусства. Хана закончит ее через три года. А в 1913 году она уже участвует в Осеннем салоне в Гран-Пале как скульптор.

Зал со скульптурными работами — один из самых впечатляющих на выставке. Небольшие композиции Надежды Крандиевской явно вдохновлены русским модерном и картинами Врубеля. Голова старухи и старческая рука — этюды Анны Голубкиной к скульптуре «Старость» — проявляют неожиданную экспрессионистскую ноту в ее работах. А ее же мраморная «Голова женщины. Маска» (1904) завораживает архаической полуулыбкой античной кóры. Кубистический этюд скульптуры «Революция» (1919) Веры Мухиной — открывает раннее творчество мастера. Наконец, гибкие танцовщицы Ханы Орловой, трогательный, сдержанный ее портрет сына («Мой сын в матроске», 1927), угловатый, выразительный в резком повороте бюст из цемента художника Александра Яковлева (1921)… Ее работ, если не ошибаюсь, нет в России. Для многих лаконизм, психологическая точность, сжатая энергия формулы, дышащая в ее скульптурах, станет открытием.

Стартапы Монпарнаса

Париж открывал не только дверь в центр современной художественной жизни, но и окно в новое искусство ХХ века. И окна эти распахивались прежде всего в частных академиях. Академия де ля Гранд-Шомьер, которую держали не модели, а художники, была известна тем, что в ней одновременно шли сеансы позирования обнаженной и одетой натуры. Другим ее преимуществом было то, что от мастерских художников, например, Гогена и Модильяни, до нее было рукой подать. В шести мастерских было отличное освещение, прекрасные натурщики, толковые преподаватели. Для многих художников — консультации в частных академиях были и возможностью дополнительного заработка. Ученики знакомились, учились, наблюдали, схватывали новое на лету…

Читайте также  Лучшее оливковое масло топ 10

Среди этих частных академий одной из самых известных была Академия Марии Ивановны Васильевой. Сама учившаяся в Академии де ля Палетт на Монпарнасе, в петербургской Академии художеств, выбравшая затем в учителя Матисса, она основывает в 1911 году на Монпарнасе собственную школу. Со средствами на стартап, как мы сейчас сказали бы, помог Поль Пуаре. Пуаре вообще был добрым ангелом для Марии Васильевой. Это с его легкой руки куклы, которые она делала для его магазина, шли нарасхват в аристократических домах. Эти куклы, в которых театр встречается с воспоминаниями детской, скульптура со сценическим жестом, народная игрушка с африканской маской, и сегодня пленяют выразительной смесью простодушия и утонченности. Куклы, как и маленький макет мастерской, можно увидеть на выставке.

К 1915 году адрес академии Марии Васильевой — улица дю Мэн, 21 — знал весь художественный Париж. Причина была еще и в том, что во время Первой мировой, мягко говоря, не самое сытное время, Мария Ивановна открывает столовую, где обед со стаканом вина стоил 50 сантимов. В меню, кроме основного блюда дня и вина, были сыр, фрукты и овощной суп. Официантки разносили еду. Обеды шли в две смены. Здесь бывали все: Пикассо и Модильяни, Матисс и Фужита, Аполлинер и Цадкин… Пение, скрипка, гитара, иногда танцы скрашивали комендантский час. После войны, в 1920-е, ее Академия становится и местом благотворительных балов.

Картины с необычной судьбой представили в галерее Приморья

Тут все поражает: практицизм и добросердечие, самостоятельность и работоспособность, изобретательность, живой ум и дар быть душой общества, талант, детская вера в чудо (столь очевидная в куклах с ангелами-хранителями на плечах!) и здравомыслие.

Другим успешным примером соединения творческой энергии и практической хватки стала мастерская по печати тканей — «Симультантное ателье» Сони Делоне, открытое в 1924 году в Париже. Если Любовь Попова и Варвара Степанова создавали геометрические орнаменты для промышленного производства, то Соня Делоне создавала ткани и наряды для элиты Парижа. Она сама вела дела своей мастерской, оформляла витрины, сотрудничала с модными домами. Витрина, занимающая почти всю стену зала, представляет эскизы из архива ателье. Сегодня они вызывают в памяти работы не только раннего авангарда, но и оп-артистские эффекты тканей Анны Андреевой, замечательной художницы оттепельных времен.

Любовная лодка разбилась…

Париж был щедр не только на возможности, но и на разбитые сердца и любовные драмы. Здесь любовные лодки разбивались не столько о быт, сколько тонули в штормах артистической жизни. Так, после смерти Модильяни его возлюбленная, художница Жанна Эбютерн, которая ждала ребенка, кончает с собой.

Другим приходилось жертвовать ради любви не жизнью, но профессиональным выбором. Для Доры Маар, дочери хорватского архитектора, роман с Пикассо едва не стал отказом от собственного пути фотографа. Притом что она была состоявшимся фотографом к моменту встречи с Пикассо. «Все мои портреты, нарисованные Пикассо, лживы. Это все портреты Пикассо. Нет ни одного портрета Доры Маар«, — жестко сформулирует она позже. Свои невесомые послевоенные натюрморты, где вместо линии — цветные точки в духе пуантилизма, она не показывала никому. Они были найдены в ее архиве после смерти.

Предполагалось, что романы — вдохновляющий стимул для творчества …мужчин. Что касается женщин, то от них частенько ожидали самопожертвования. Неудивительно, что одной из стратегий художниц, которые пытались сформулировать свой собственный взгляд на свои задачи и задачи искусства, становился бунт, эксперимент, эпатаж. Фотографические натюрморты Клод Каон, чьи куклы из газет и цветов походили на рыцарей из театра абсурда, а двойная экспозиция фотопечати рифмовалась с опытами Ман Рэя, открывают тревожный мир раздвоенной души. Это удвоение появляется и в фотопортретах Анри Мишо (1925), и в рисунке «Чего же ты хочешь от меня?» (1928).

Акварели и картины Леоноры Фини впечатляли зрителей не меньше, нежели слухи о ее бурных романах. Образы смерти, атрибуты психоаналитических сеансов в ее картинах снискали ей славу «Дали в юбке». Хотя по идее, в 1920-е годы именно она, а не Дали, бунтовала против концепции Андре Бретона, отстаивая свою версию сюрреализма.

Когда речь заходит о Монпарнасе, о женщинах вспоминают как о моделях, возлюбленных, актрисах, и лишь потом — о художницах. Выставка «Музы Монпарнаса» предлагает вспомнить прежде всего о художницах. Мы все можем почувствовать себя немножко Хемингуэем образца 1956 года. Когда он вернулся в Париж в 1956 году, в отеле ему притащили два чемодана с рукописями, забытыми в 1928 году. Бесценное сокровище, из которого выросла книга «Праздник, который всегда с тобой». Новая выставка Пушкинского возвращает нам праздник, с которого все начиналось. Очень вовремя.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector